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lunes, 27 de febrero de 2017

John García : ante la fogata acústica del viejo coyote


El viejo coyote del desierto ha regresado y a su paso ha desconectado al arenoso fuzz eléctrico de las guitarras para aullar a la luna, acústico espejismo que intenta calentar la helada noche con una fogata hecha de antiguos recuerdos y una que otra historia nueva. La experiencia se impone ante el cambio de formato, y aunque sólo es un recuerdo el ardiente asfalto hervido por el sol de mediodía, la voz que estableció las bases para lo que hoy conocemos como desert rock y stoner pisa el pedal de freno para mirar en el espejo retrovisor lo que sus incasables pasos han recorrido hasta el día de hoy.

Antes de resucitar a Slo Burn en el escenario del Freak Valley Festival a celebrarse en junio de 2017, John García a decidido publicar un disco solista de manera acústica con la intención de presentar algunas canciones nuevas de su repertorio y hacer también un repaso por su carrera, la cual incluye diversos proyectos como los míticos Kyuss, Hermano, Unida y Vista Chino, además de participar en la grabación de algunos temas como artista invitado con Luna Sol o Danko Jones.


Acompañado por los mismos músicos que formaron parte de la gira promocional de su último disco de 2014, John García encapsula en una placa la forma en que ha presentado su música desde finales de 2015. Ehren Groban en la guitarra, Mike Pygmie en el bajo y Greg Saenz en las percusiones, la banda de García logra un equilibrio perfecto entre su fuerza innata nacida en la escena de Palm Springs, California y las suaves texturas de los sonidos desenchufados, íntimos y finalmente naturales.

Con la grabación y mezcla de Robbie Waldman y Steve Feldman en los estudios Thunder-Underground y Unit a recording & arts, a finales de enero de 2017 John García publicó The coyote who spoke in togues a través de Napalm Records, material que contiene cuatro versiones a temas clásicos de Kyuss ("Green machine", "El Rodeo", "Gardenia" y "Space cadet"), una versión en vivo de "The blvd" grabada en Croacia y una continuación a "Argleben" de su disco solista, además de cuatro temas nuevos compuestos especialmente para esta ocasión (uno de ellos totalmente instrumental).


Lo primero que escuchamos del The coyote who spoke in togues fue su tema inaugural "Kylie", canción que fue presentada como primer single del disco a finales de 2016. Las guitarras comienzan una loca carrera como si de una estampida se tratara, agitada persecución que sube de intensidad gracias a los atmosféricos teclados del músico invitado Ronnie King. La rasposa voz de John García nos remonta a los años noventas como si el tiempo no pasara sobre el icono californiano. Tras la explosión, todo cae en un aletargado ritmo hasta dejarnos abandonados a la mitad de la nada y en la obscuridad total, pero repentinamente todo se vuelve a encender para arrancarnos los pies de la tierra y reunirnos con las estrellas que iluminan la helada velada desértica.

Con un video dirigido por Douglas Quill, John García promocionó "Kylie", y más allá de sus trabajos visuales previos, el primer corte de The coyote who spoke in togues sorprendió a todo mundo por su historia y por la fuerza de sus imágenes. Un auto llega sigilosamente a la mitad de la noche a una casa tras un largo recorrido por la carretera que atraviesa el desierto californiano, un joven desciende del vehículo y entra al inmueble para secuestrar a la chica que ahí vive. Ya en el calor del día, el raptor suelta a la muchacha, quien corre sobre la arena caliente, pero todo queda en un escape momentáneo. La bella mujer despierta al calor de una fogata ritual donde será sacrificada, pero la historia gira 180 grados hasta terminar en una persecución entre la luz de ardientes antorchas y el manto de la noche.


El terreno está preparado para el regreso triunfal de Slo Burn, pero lejos de que The coyote who spoke in togues quede relegado ha ser un disco de transición, el último disco de John Garcia deberá ser tomado en cuenta como una faceta más dentro del abanico de posibilidades que tiene el músico californiano, misma que ya había sido presumida previamente con "Her bullets' energy", tema grabado a dúo con Robbie Krigger de The Doors hace poco. Por el momento, John García nos ha enseñado que el rock desértico puede ser desconectado de su característica distorsión porque en su interior se guardan líricas mágicas y poderosas melodías más allá de la electricidad...


viernes, 24 de febrero de 2017

The Ringo Jets : ¿a qué suena Turquía?


Tener referencia sobre una banda que está a miles de kilómetros es difícil, pero cuando la cultura es distinta lo hace casi imposible. Sin embargo, el mundo del rock rompe barreras para tender puentes de comunicación a partir de elementos comunes y sirve como medio para compartir lo propio, lo diferente y lo único. El caso de Turquía es realmente especial porque este país es una puerta entre lo que entendemos como Oriente y Occidente, un cruce de caminos donde se han librado una infinidad de batallas por el correr de los siglos, un codiciado punto estratégico que enfrenta al moderno mundo tecnológico y al antiguo territorio musulmán aferrado a sus costumbres.

En la importante Estambul, aquella hermosa ciudad que en épocas remotas se conoció como Bizancio y Constantinopla, nace una banda que lleva la contradicción cultural hasta las bocinas para regalarnos un coctail distorsionado de batería y guitarras eléctricas que es imposible que dejemos pasar por inadvertidos. The Ringo Jets se formó en 2011 con la intención de hacer coincidir el gusto por la fuerza eléctrica del mundo occidental y la imaginación de tres jóvenes que viven todos los días el sincretismo cultural de una nación que se encuentra entre la espada y la pared. 


Si se nos hace extraño escuchar música turca, es aún más raro encontrarnos con un proyecto sonoro basado en la mezcla tonal de las guitarras de Deniz Ağan y Tarkan Mertoğlu teniendo como base la fuerza en la batería interpretada por una mujer, Lale Kardeş. Rompiendo con todos los estereotipos, The Ringo Jets se une a la serie de bandas que dejan a un costado al bajo eléctrico y juegan con los amplificadores y los pedales de distorsión para crear nuevos sonidos como Muñoz, The Muddy Brothers y The Red Boots (Brasil), The Heavy Minds (Austria) o The Bonevilles (Irlanda del Norte), inspirados en la unión del hard blues electrificado de los años 60 y 70  el rock garage y alternativo del nuevo siglo bajo el nombre de The White Stripes y The Black Keys como referentes inmediatos.

Gracias al material recopilatorio hecho por Tantana Records a finales de 2016 con el título de Assorted, tuvimos la suerte en este lado del Atlántico de escuchar la propuesta sonora de este trío turco. Confesando que lo exótico de su lugar de origen no coincide con una banda de rock ahogado en fuzz, nos dimos a la tarea de escuchar el material con todo el recelo que puede derivar el escuchar música de un territorio opuesto al nuestro si a cultura se refiere; sin embargo, la sorpresa fue mayúscula...


Assorted resguarda en su interior algunos temas del álbum debut de The Ringo Jets presentado en 2013, los dos singles de 2014 titulados Evil eye y dos temas completamente nuevos: "Blue wind" y "Trippin". Este material sirve de carta de presentación para la banda en el mundo occidental gracias a sus temas infecciosos y estridentes cantados en inglés, dardos directos a los tímpanos ansiosos por escuchar cosas frescas más allá de los patrones impuestos por los géneros y las ideas musicales. Para un mercado dominado por el pop cantado en turco, hacer una banda de rock escandaloso con líricas en inglés rompe con cualquier esquema, pero si pensamos en lo comentado por la banda en una entrevista, sus influencias chocan en mil pedazos en su encuentro: Tarkan esta fascinado por el punk, Lale estudió música donde adquirió su gusto por el jazz y Deniz escucha psicodelia setentera.

Así como la paradoja se adueña del sonido del trío turco, la gente de Big Baboli Print House reflejó en la portada del Assorted el irónico encuentro de elementos contrarios a través de una partida de backgammon entre los dos mayores símbolos antagónicos: la vida y la muerte. Una vez impactados por la mística ilustración, dejamos que la música nos inunda para descubrir como las fusiones explotan los altavoces y pueden crear verdaderas joyas inolvidables.


Las guitarras rugen a través de su figura insistente y la batería golpea sin piedad en compañía de unas mágicas percusiones con sabor innegablemente oriental por cortesía del músico invitado Mauro Refosco . Estamos escuchando a "Tease", un acelerado demonio que se levanta con su escandalosa energía para terminar convirtiéndose en un furioso genio que sale de su lámpara para ofrecernos un baile exótico de tambores que no frenan ni un segundo. La esfera sonora donde The Ringo Jets nos encierran es lograda gracias a la grabación y mezcla realizada por Tomasso Colliva, productor técnico y técnico de sonido italiano que trabajo con gente de la talla de Franz Ferdinand y Muse. Sin embargo, todo llega a su punto culminante cuando un solo de guitarra se escapa entre la tormenta de arena para tomarnos de la mano subirnos hasta el propio cielo.

 "Tease" se publicó originalmente en el álbum debut de la banda y tuvo un video promocional dirigido por Eli Kasivi. En sus imágenes podemos ver en primer plano el interior de un viejo auto al que sube un joven. Arranca el vehículo y en la radio se sintoniza el single de The Ringo Jets, mientras vemos pasar las calles de Estambul. Un mensaje de texto entra al celular y distorsiona el sonido, pero su contenido hac enfurecer al chofer. Una mirada al espejo retrovisor y los celos construyen una escena difícil de aceptar, pero unos cuantos golpes al llegar al destino final, pueden calmar el feroz sentimiento.


Con tan sólo una probada al Assorted caemos rendidos a su cruda estridencia, ruido que les ha valido para compartir escenario con Kadavar y hasta salir de las fronteras turcas para tocar en España y Austria. Este es el momento para que la banda reciba los aplausos y reconocimientos del público de Occidente, más allá de la guerra que han librado en su propia trinchera. Su irónico estilo logra hacer coincidir la tradición melódica de su país y la energía eléctrica de la modernidad desbocada, haciéndonos entender que puede existir un lazo entre ellas para crear música realmente cargada de fuerza y magia.Ya con nuestros tímpanos atrapados, ahora tan sólo queda esperar el próximo disco de The Ringo Jets, quienes ya se encuentran en los estudios grabándolo...


miércoles, 22 de febrero de 2017

The Purple Elephants : desgarrando al pasado


A un año de haber sido publicado el álbum debut de los españoles The Purple Elephants, es necesario bajar nuevamente la aguja sobre los surcos para descubrir en ellos aquello que los ha convertido en un referente para el nuevo rock español; además de ser un puente hacia lo que está escuchando el resto del mundo. Abandonando el inglés para retomar el castellano, esta banda originaria de Murcia nos mostró en sus poco más de 40 minutos todo lo que puede hacerse en con el rock de manera auténtica, más allá de etiquetas  y posturas, logrando crear un disco rico en texturas y posibilidades sonoras que pocos se atreven a realizar.

Danza funeral vio la luz en febrero de 2016, luego de un proceso para recabar fondos a través de la plataforma de financiamiento Crowdfunding con los cuales se pudiera editar el material, mismo que finalmente fue publicado a través de Son Buenos Artmusic. Con el dinero en los bolsillos, la banda se fue al Puerto de Santa María en Cadiz para meterse al estudio de grabación de Paco Loco y registrar diez temas de manera visceral como sólo este productor lo podría hacer, quien es reconocido gracias a su trabajo con gente como los cantautores Sr. Chinarro, Nacho Vegas y Enrique Bunbury o bandas como Manta Ray, La Costa Brava, Niños Mutantes y Australian Blonde. 


Todo inició con el encuentro en 2014 del vocalista Jorge Bayle y el guitarrista Adrián Carlos mientras estudiaban sonido y cuando decidieron comenzar un proyecto musical original. Con el tiempo, a ellos se unieron el baterista Fran Imbernón, el tecladista Tommy Rocheteau y el bajista Alejandro Jiménez para que juntos le dieran forma a un combo que guardara en su interior psicodelia, hard blues y rock pop. 

Inspirados en las escenas de Dumbo, aquella película de Disney donde se observa una alucinación alcohólica con elefantes multicolores, nace el nombre de la banda con la intención de hacer patente el colorido y acidez de su propuesta; dejando en el idioma de Shakespeare su apelativo debido a que las primeras líricas del grupo estaban compuestas en dicha lengua, mismas que formaron parte del autoproducido EP Flames like ruby gems.


 The Purple Elephants comenzó a ganarse al publico con sus presentaciones, convirtiendo al tema "We will ride the moon until the end" en un pequeño clásico. Sin embargo para su disco debut, la banda se volcó por completo al castellano, y aunque rescató algunas canciones de su EP, las liricas fueron escritas nuevamente por Tommy Rocheteau bajo las líneas melódicas que Jorge Bayle había imprimido originalmente. Finalmente, Danza funeral quedó compuesto en más de la mitad por canciones nuevas y el resto por las reconstruidas.

El álbum debut de los murcianos es una paseo sonoro que bien nos puede llevar a introspectivos parajes del hard blues ("Redención" o "Entre velas") hasta la acidez psicodelia más estridente ("El desierto" o "Maldita sentencia"), pasando por obligados sobrevuelos flamencos ("Noche persa") y cabaretescos ("Danza funeral"). Efectos sonoros y mágicos arreglos musicales por todos lados nos van envolviendo en el universo onírico de The Purple Elephants, donde la distorsionada guitarra eléctrica y el envolvente teclado se convierten por momentos en los protagonistas del disco.


Como primer mordisco al Danza funeral, la banda presentó en diciembre de 2015 como primer sencillo "El halcón", tema de guitarra fuerte que sirve para levantar un muro infranqueable junto con la gravedad de la batería y el bajo. En el momento cuando la canción llega al cenit del estribillo, un teclado se escapa por las bocinas para amplificar la atmósfera hasta convertirla en una nube de sopor de donde es difícil escapar. Una vez que llega al puente, el track se vuelve primitivo y cavernario gracias a las percusiones y las palmas, pero todo termina explotando en una cascada de notas estridentes y desesperadas.

La rasposa voz de Bayle entona una melodía cruda sobre las distintas personalidades que puede desarrollar el hombre dentro de su abismo personal, pero que al mismo tiempo implora por romper las cadenas en busca de su propia libertad. El alma se desgarra por dentro, pero la careta hacia los demás engaña y seduce al igual que un ave rapaz. Los sentimientos ocultos corroen al individuo hasta que la estampida interior resulta inevitable...

Con un video dirigido por Juan y Pedro Poveda a través de Twin Freaks Studio, The Purple Elephants promocionó "El halcón". Este trabajo visual podemos observar a la banda tocando en un completo fondo blanco en contraste con dos enigmáticos personajes sobre un halo obscuro. Esta contradicción visual que logra hacer referencia a la lírica del single funciona a la perfección, llevándole así a ganar el premio del público Rendibú 2016 organizado por el diario español La Verdad en la categoría "Video maquetas música".


2016 fue un año de muchos logros para la banda, pero también trajo consigo algunas bajas, pues Tommy Rocheteau y Alejandro Jiménez abandonaron el barco para convertir momentáneamente a The Purple Elephants como trío. En lo que el grupo se configura de nuevo, a nosotros sólo nos queda seguir exprimiendo todo el contenido del Danza funeral, descubriendo a cada vuelta los secretos que guarda su producción y expandiendo la mente con todas las opciones que guarda en su interior.



lunes, 20 de febrero de 2017

Beelzefuzz : las obscuras intenciones detrás de un nombre


Ponerle el nombre de Beelzefuzz a tu banda te asegura que todos volteen y pongan atención a ese peculiar juego de palabras, cosa importante en el tan competido mundo del rock distorsionado de la última década. Sin embargo, para hacer honor a dicho apelativo es necesario crear un proyecto que realmente sacuda el suelo a punta de guitarrazos y que las melodías nos remitan al príncipe de los demonios y al señor de las moscas. Uno podría esperar una banda refugiada en los sonidos arenosos del stoner, pero lejos de esta idea, nos encontramos con un grupo formado en 2009 que explotó la mezcla entre el metal progresivo, el doom y el hard rock setentero.

El paso de los años llevó a los integrantes originales de la banda por distintos caminos musicales que terminó en un rompimiento en 2014. El vocalista y guitarrista Dana Ortt quiso continuar bajo el sugestivo nombre de Beelzefuzz el proyecto con el baterista de la banda Darin McCloskey, quien entró con los de Maryland en 2011 luego de formar parte de Pale Divine, grupo clavado en el doom. Esto provocó una disputa legal con el bajista Pug Kirby, teniendo que bautizar momentáneamente a la banda como Righteous Bloom.


Dana Ortt ha ganado en los tribunales y nuevamente nombró a su banda como Beelzefuzz, integrándose al conjunto el bajista Bert Hall y el guitarrista Greg Diener, otro miembro más de Pale Divine. Este difícil trance ha quedado inmortalizado en el título del disco más reciente del grupo The righteous bloom, material editado por The Church Within Records y Restricted Release en septiembre de 2016 que fue grabado en Diener Manor Studios por el propio guitarrista recién sumado y mezclado por Richard Whitaker, quien ha colaborado con gente como Lord Vicar y Orchid.

Si el propio nombre de la banda es suficiente para despertar el intereses del público ávido por música interesante y fuerza en su interpretación, la portada del The righteous bloom también logra dicho cometido gracias a la ilustración de una alada mujer desnuda sobre un onírico fondo que une a la tierra con el cielo. Este espectacular trabajo artístico fue realizado por David Paul Seymour, dibujante que ha realizado distintas tapas para bandas como Wo Fat, The Vintage Caravan, Goya, Lowburn y el tributo a Jimi Hendrix publicado por Redux Records.


The righteous bloom es un disco que continua con lo hecho en el debut de Beelzefuzz en 2013, donde el gusto por bandas clásicas del hard rock setentero como Deep Purple, Black Sabbath y Uriah Heep se funden con otros estilos como el proto-doom de Pentagram, el revival sueco de Graveyard y el doom-metal de Earthride. El resultado final es un disco de riffs de guitarra hechizados, uno que otro teclado ambiental, un bajo envolvente, una batería directa y voces que recuerdan los colores de David Byron de Uriah Heep, Mark Farner de Grand Funk y John Lawton de Lucifer's Friend. Al termino de las once pistas que conforman el disco, un sabor a stoner metal progresivo queda en la boca,  lo que obliga a remitirnos a los grupos suecos Spiritual Beggars (proyecto alterno de Michael Amott a Arch Enemy), Luciferian  Light Orchestra (proyecto alterno de Christofer Johnsson a Terion) y Year of the Goat.

El primer single que se desprendió del segundo disco de Beelzefuzz fue su tema inaugural "Nazzriff", canción inspirada en el cuento de misterio The repairer of reputations de Robert William Chambers publicado en 1895. La figura de la guitarra inicial es hiriente, cortante y asesina, un lugar a donde el resto de los instrumentos terminan por seguir hasta crear un sonido colosal. La guitarra de Diener se abre paso para mostrarnos sus mágicos juegos sobre las cuerdas mientras la imponente voz de Dana Ortt nos habla de un juego de influencias y obscuras intenciones que terminan en el límite entre la cordura y el delirio. El aire teatral de la melodía completa la mística escena y logra darle a la canción una fuerza dramática coincidente con poder de los acordes, mezcla perfecta para convertirse sin lugar a dudas en un track inicial.

"Nazzriff" se publicó como sencillo en marzo de 2016 como previo al lanzamiento de The righteous bloom y en ese mismo momento fue presentado el video para dicho tema. Este trabajo visual fue realizado por  Pat W. Dougherty y Brad Wallace a través de CineMavericks Media, los mismos que hicieron los video para "Reborn" y "Lotus jam", los dos singles que se desprendieron del álbum debut de Beelzefuzz. En esta ocasión podemos observar a la banda vestida elegantemente mientras le rinden culto a un maniquí de mujer a través de un juego multicolor y onírico de imágenes. Velas,  cráneos, guitarras, lluvia y muerte se encuentran en un mismo espacio visual donde la intensidad se entremezcla con el misterio.


Beelzefuzz está sobre los escenarios presentado The righteous bloom, un material que ha costado sangre, sudor y lágrimas pero que ya está a nuestro alcance. Ahora es momento de ir recorriendo sus intrincados senderos y disfrutar su calidad interpretativa, ya que "Nazzriff" tan sólo es la punta de lanza. Es sencillo perderse en los densos abismos sonoros que ha creado la banda, pero sin lugar a dudas este paseo por el laberinto es gozoso para el oído, y una vez que encontremos la luz al final del túnel, las neuronas le darán forma a esta grandiosa obra...


viernes, 17 de febrero de 2017

Horisont : un eléctrico regreso en el tiempo


Con más de diez años de trayectoria, Horisont se ha convertido poco a poco en una de las bandas vintage nacidas en Suecia más importante. Hoy es número uno en las listas y logrado realizar su primera gira norteamericana junto a Electric Citizen con la intención de preparar el terreno para About time, su quinto álbum recién publicado el 3 de febrero de 2017 a través de Century Media Records. Si acaso existe alguien quien no haya oído hablar de ellos, le damos la vuelta al viejo de arena para repasar lo hecho por estos bigotones de Gotemburgo.

Teniendo como punto de partida las clásicas armonías de las twin guitars que establecieron gente como Wishbone Ash y Thin Lizzy, Horisont creó su sonido en base a un rock adictivo heredero del New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM) y los ritmos pesados de principios de los setentas hasta lograr una marca propia. "Electrical", primer sencillo para About time, tributa ese estilo de la banda y termina por convertirse en un pequeño homenaje a su propia carrera al condensar en sus tres minutos y medio lo que ha sido toda su paleta de sonidos luego de cuatro excelentes discos.


El tiempo ha pasado y el estilo de Horisont se ha ido alimentando de todas las posibilidades sonoras que la década de los setentas puede ofrecer, logrando así que en cada álbum de los suecos obtengamos una dirección determinada dentro de los límites que ellos mismos han impuesto: Tva Sidor Av Horisont de 2009 está basado en el clásico hard rock setentero de Deep Purple, Cream Led Zeppelin y Grand Funk Railroad; Second assault de 2012 es un tributo al rock revival sueco de Graveyard y Witchcraft que mezcla el aletargado hard blues con arranques desenfrenados de riffs electrizantes; Time warriors de 2013 reafirma el NWOBHM del grupo y sirve de inspiración para otras bandas suecas como Black Trip, Hypnos y Saturn; y Odyssey de 2015 recuerda al space rock por medio del uso de sintetizadores y líricas centradas en la ciencia ficción al estilo de UFO.

Ahora para About time, Horisont dirige sus pasos hacia el AOD de finales de los setentas (Adult Oriented Rock) de bandas como Boston, Foreigner, Toto y Journey gracias nuevamente al uso del moog y los sintetizadores, instrumentos que al mismo momento ayudaron a crear un cierto sabor progresivo al disco. Este cambio podríamos entenderlo como una reconfiguración en el sonido de la banda tras la salida del guitarrista Tom Sutton, quien dejó al grupo para dedicarse al cien por ciento a su proyecto The Order of Israfel tras la publicación de su segundo disco Red robes y gira de promoción junto con Year of the Goat.


El nuevo compañero en las seis cuerdas para Charles Van Loo es David Kalin, quienes junto con Magnus Delborg en el bajo, Pontus Jordan en la batería y Axel Söderberg han creado este quinto disco bajo el nombre de Horisont a través de diez diferentes temas que suenan distintas entre sí, por lo que está muy lejos de convertirse en un álbum conceptual. Así es como podemos escuchar  desde melodías clavadas en el AOR como en la obvia "Boston gold" y "Airrance" hasta power ballads al estilo de Scorpions como en "Hungry love", pasando por el aquel pegajoso boogie de Status Quo en rolas como "Night line" y "Dark sides". Sin embargo, fácilmente podemos encontrar una coincidencia en las canciones del About time gracias a las fundamentales armonías de las guitarras gemelas y al uso de los sintetizadores con su suaves tintes progresivos (como en la abridora "The hive" y "Without warning"). 

Para preparar a los fanáticos de la banda, Horisont ofreció "Electrical" como primer sencillo de su nuevo disco, single que se convierte en una cápsula en el tiempo idéntica a la que se encuentra en la portada del About time, mágica imagen creada por Henrik Jacobson quien también realizó el artwork para el anterior Odyssey. "Electrical" regresa al rock infeccioso de los primeros discos de los suecos, que lejos de la fuerza de temas como "Nightrider" o la magia melódica de "Writing on the wall", nos teletransporta a una época del Thin Lizzy cuando los riffs entrecortados y atascados de escalas fundamentales para hacer temas espectaculares de grandes posibilidades interpretativas. Obviamente merece mención aparte el duelo stereo de guitarras que sobrevuelan al track, explotan y terminan cantando en una misma voz y distinto tono la figura original.

A finales de octubre de 2016 se presentó "Electrical" como sencillo del About time y un trabajo visual se lanzó para acompañarlo. El video publicado en el canal de YouTube de la banda fue realizado por Magnus Delborg, bajista de la banda, y en él podemos ver a los integrantes de Horisont como androides o seres robotizados entre viejos instrumentos que representan tecnología pasada, quizá analógica como el propio sonido del grupo. Bajo un estética vintage blanco y negro, observamos primeros planos sobre los brazos de las guitarras, permitiéndonos admirar las figuras del impresionante duelo entre Fender y Gibson hasta que un mono entra a la batalla y gana tocando su violín.


"Ella se ve azul cuando baja por la pista. Me toma ahí y me lleva de regreso. Toma los boletos si quieres viajar a través de la ciudad de lado a lado. Ella está a tiempo siendo lo que tiene que ser y sirviendo a su propósito. Se siente bien estar en su interior para perderse y ser transferido. La máquina corre sobre la línea mandando escalofríos por mi espina dorsal y sintiendo el ritmo en contra, pero ella te reconforta cuando todo cae porque ella es eléctrica. Ella conduce conectada a los cables del amor y en una sola dirección. Ella es eléctrica, pero incomprensible..."


Horisont está de regreso y sobre los escenarios, compartiendo su nuevo material y demostrando por qué son actualmente una de las mejores bandas suecas. Con About time, el grupo busca conquistar el resto del mundo y regresar la mirada a sus trabajos anteriores. Más allá de su sonido francamente revival, Horisont ha refrescado su estilo con la intención de no encasillarse como muchas otras agrupaciones terminan haciéndolo. Dejemos que el tiempo pase para que coloque este nuevo disco en su justa dimensión y que la banda nos muestre su verdadero potencial frente al público, lugar donde seguramente explotarán los amplificadores con el excelente rock que hacen y que fácilmente enamora...


miércoles, 15 de febrero de 2017

Pottwal : un paseo lisérgico con el brujo cósmico


Luego de escribir algunas líneas sobre Limestone Whale y The Heavy Minds, Earthquaker se dio a la tarea de escuchar el catálogo de la austriaca Stone Free Records, disquera independiente activa desde 2007. Ante la variada oferta de la etiqueta con base Viena, una portada llama poderosamente la atención gracias a un extraño objeto que cruza el manto estelar y que al mismo tiempo sirve para resaltar el nombre de la banda: Pottwal.

La aguja baja sobre el vinil y por las bocinas se escapa un onírico material que bien puede crear atmósferas cósmicas a través de los sintetizadores como puede construir pasajes acústicos de guitarra, pero que en conjunto acusa un herencia progresiva. Buscamos una brújula que nos oriente en su viaje sonoro y encontramos como guías las etiquetas de space rock y psicodelia, pero el deseo de que la música hable por sí sola, desechamos los conceptos y las categorías para sentarnos sobre este vehículo estelar y aceptar su extraño paseo. 


Al escuchar el álbum debut de la banda alemana Pottwal entramos en una dimensión más allá de la realidad terrestre y el bullicio que se escucha en la música actual en cualquier parte del mundo. El aletargado sonido, que llega por momentos a lo atmósférico y abismal, nos toma por sorpresa hasta dejarnos abandonados en la nada total. Sin embargo, algunos instantes de guitarras fuertes y órganos vintage colorean la materia obscura y nos transportan a lisérgicos pasajes llenos de hard rock. 

Es precisamente en estas dos vertientes sonoras donde podemos encontrar las razones para nombrar Double space a este material, disco donde debe ser valorado el trabajo de grabación realizado por Martin Pollner en los Jolanda Studios, la mezcla de Thomas Weber y la masterización de Ludwig Maier, quienes lograron imprimir un contradictorio sonido etereo y explosivo según los deseos de la banda nacida en la pequeña Tunzenberg.


Max Reubel, Georg Fischer, Paul Wick, Marino Frishmann y Michael Krompaß nos sumergen en un recorrido lisérgico hasta perdernos en el vacío, ya sea a partir del krautrock progresivo de Tangerine Dream o en la psicodelia sesentera del Pink Floyd de Syd Barrett. Extraviadas entre los largos pasajes instrumentales de Double space, las neuronas comienzan a flotar por la ausencia de gravedad hasta que sin remedio abandonamos la noción del tiempo y del espacio. La máquina eléctrica se adueña del sonido hasta saturar los amplificadores entre melodías estelares y murmullos mágicos de otras galaxias.

Quizá el tema más directo y menos experimental de todo el Double space sea "Warlock", una cabalgata cósmica en teclados herederos de las viejas glorias de Uriah Heep y el primer Deep Purple de la Mark1. Vieja psicodelia mezclada con algún relampagueo de los primeros instantes del hard rock para extraviar la mente y enamorarla con facilidad, hipnótico ritmo de agitado paso que busca alcanzar las estrellas y olvidar que todo lo demás existe. Sin temor a equivocarnos, el primer sencillo del disco es un portal embrujado que al entrar en él nos engulle como agujero negro hasta desvanecer todo en figuras estridentes y ensordecedoras.

Unos meses antes del lanzamiento de Double space en junio de 2016, Pottwal presentó en su canal de de YouTube el video para "Warlock", un trabajo visual realizado por Cagamano y Siulaup Design que nos muestra a la banda en un entorno natural mientras todo se convierte en una ácida quimera llena de elementos simbólicos, colores y distorsiones visuales que juegan con la mente. Mirada lisérgica al universo conceptual del brujo cósmico que nos invita a realizar un viaje sin retorno posible, un paseo por los laberintos del interior, un zumbido penetrante que elimina las fronteras entre fantasía y realidad.


"Warlock" es un gancho ideal para animarse a ingresar al denso universo de Pottwal, pero si uno espera escuchar más cosas cercanas a este tema, la sorpresa será enorme. Sin embargo, para los oídos enamorados del viejo rock progresivo setentero inspirado en las excursiones cósmicas al estilo de 2001: A space odyssey de Stanley Kubrick, este disco resultará una verdadera joya. Este es el primer lanzamiento del transbordador espacial llamado Pottwal, permitamos que agarre altura para que alcance su objetivo y nos muestre la belleza del cosmos hasta el último track...


lunes, 13 de febrero de 2017

HombreHumano : stoner argentino sin freno ni control


Lo que el día de hoy conocemos como stoner es una herencia directa del rock desértico creado en California a principios de los años 90, teniendo como referente obligado a la banda de culto Kyuss. Rock granular, que como arena del desierto, raspa al cruzar las trompas de Eustaquio hasta alojarse en los tímpanos. Sonidos áridos que se desintegran al calor del asfalto ardiente hasta perderse en espejismos y ensoñaciones.

Algún tiempo después y a bastantes kilómetros lejos de la costa oeste norteamericana, el género se enquistó en aquella Argentina pesada para establecerse en el underground de la capital federal y sus suburbios. El nombre de Los Natas nos llega a la mente de manera inmediata, pero una impresionante cantidad de bandas le han apostado a dicho sonido para construir una forma de expresión y una manera de vivir la música. Nos es de extrañar que South American Sludge Records, disquera fundada por Sergio Chotsourian (ex-guitarrista de la mítica banda), quisiera incluir en su catálogo a los mejores exponentes de la actual escena en el cono sur... y es ahí donde nos enganchamos con un denso combo que tiene en la distorsión del fuzz su principal arma: HombreHumano.


La banda de la doble H tienen su origen en el lejano 2008 en Villa Devoto, uno de los barrios de la enorme Buenos Aires. Conforme fue pasando el tiempo, los integrantes fueron cambiando hasta establecerse en 2011 con Nahuel Rivas Pallares en el bajo, Sergio Diaz en la batería y Pablo "Bruja" Reif en la guitarra y vocales. Para esa misma época, el grupo se metió en los estudios de Cuartito Records para que en una sesión de seis horas fueran grabadas 4 canciones que serían publicadas como demo bajo el nombre Sesion1.

Con este modesto trabajo, HombreHumano se dio a la tarea de tocar en cuanto lugar se pudo dentro de su ciudad natal, construyendo de esta manera de un nombre y de una reputación sobre los escenarios. Todo ese esfuerzo se vio reflejado en su álbum debut, disco que fue grabado en Afro Studio bajo la guía en los controles técnicos de Facundo Jara entre los meses de noviembre de 2014 y abril de 2015. De manera independiente, la banda publicó el material en junio desde ese mismo año y desde entonces todo ha ido viento en popa.


En un primer momento, HombreHumano fue reeditado por la disquera Ozium Records, lo que brindó la posibilidad de ser escuchados más allá de su natal tierra gaucha; pero no fue hasta que fueron incluidos en el catálogo de South American Sludge Records en marzo de 2016 que el trío tuvo la oportunidad de tener una gran difusión en su país así como en todos los lugares de habla hispana. Gracias a este trabajo de promoción, la impresionante ilustración de Fernando "Caverman" Ardoneti se pudo ver en toda aquella página electrónica especializada en stoner y hard rock, despertando al mismo tiempo el interés por saber cuál era el sonido que guardaba en su interior aquel enorme cóndor de alas abiertas.

Pulsamos el botón de play e inesperadamente somos arrastrados por una avalancha fuzz incontenible, arrollados por un potente V8 que cruza los polvorientos caminos del desierto, aplastados por una poderosa máquina que deja tras de sí una densa nube de ruido y distorsión. Inspirados en aquel stoner arenoso y el hard rock setentero, HombreHumano nos regala un viaje por la pampa sobre el ave calva de los Andes, un onírico paseo que mezcla la tradición de los pueblos americanos y la fuerza eléctrica de los amplificadores a todo volumen. La flor nos observa indiferente mientras el hombre se avienta al abismo sonoro que quiebra el manto estelar.


Como primer prueba al recio material, mordemos en su sexto track y saboreamos un riff directo que al término de su figura nos abandona a la mitad de la nada solos ante una batería que marcar el tiempo como un segundero infernal. Bajo el nombre de "Cabeza de motor" nos encontramos con una espectacular melodía valvular que nos hace pisar el acelerador y levantar el  vuelo hasta el azul del cielo. Los pistones se mueven tras la chispa de un fuzz que rasga las neuronas, las fantasías se sumergen en el lisérgico wah de un sol abrazador y una helada luna, un mágico desierto explota entre guitarrazos hirientes y bajeos envolventes.

A finales de septiembre de 2016, HombreHumano publicó en su canal de YouTube un video para "Cabeza de motor", y haciendo honor al sabor rutero del tema, realizó un homenaje a la genial película de autos, mujeres y violencia Death proof del director norteamericano Quentin Tarantino. Sustituyendo al clásico "Hold tight!"como soundtrack del filme, escuchamos el sencillo de la banda argentina entre sangre, persecuciones y amplificadores. Mientras los vehículos corren a toda velocidad sobre el asfalto, el tema nos va envolviendo en su nube de sopor hasta que nos deja abandonados en el reflejo del espejo retrovisor...


Quitamos el pie del acelerador y regresamos al suelo de la realidad, el fuerte viaje ha terminado y sólo nos queda recordar la sublime experiencia. Pero no todo queda ahí, HombreHumano se encuentra preparando nuevos temas y no sería una sorpresa que durante este 2017 tuviéramos noticias de este combo stoner. Mientras esperamos que nuevos vientos soplen sobre la árida estepa, nuestros oídos toman el siguiente retorno para escuchar una vez más aquellos temas que se han clavado en la memoria y hacen explotar los sentidos...


sábado, 11 de febrero de 2017

All Them Witches : enfocados en convencernos


En el mes de noviembre de 2016 nos enteramos que All Them Witches tenía un nuevo disco preparado para ser publicado a través de su disquera New West Records, teniendo como fecha de lanzamiento el 24 de febrero de 2017. A unos cuantos días de que se cumpla el plazo, Earthquaker se dio a la tarea de escuchar algunos de los temas que conformarán el Sleeping through the war, cuarto material de la banda formada en Nashville, con la intención de saber cuál era la dirección que había elegido el cuarteto tras cinco años de carrera.

Cuando el grupo informó a sus seguidores del nuevo disco, la noticia fue acompañada de la presentación de un primer sencillo con su video respectivo. "Bruce Lee" nos sirvió como una falsa pista para lo que podría ser el Sleeping through the war, pues su agitada melodía rompía con la aletargada y experimental marea sonora que ha distinguido a All Them Witches desde su maravilloso Our mother electricity (reseña-review) y que sin lugar a dudas fue totalmente desarrollada en el Dying surfer meets his maker de noviembre de 2015 y confirmado en su disco en vivo de 2016 Live in Brussels.


El primer sencillo de próximo disco de All Them Witches encontraba eco en otros tracks que se fueron develando en las redes electrónicas, lo que nos hizo imaginar un giro completo en el concepto sonoro de la banda. La onírica "Bulls" con sus arranques francamente stoners y la escandalosa "Don't bring me coffe" nos llevarían a confirmar dicha premisa, pero la publicación de "3-5-7" como segundo single del Sleeping through the war nos llevó de regreso a los atmosféricos sonidos que han distinguido al grupo, un retorno a las obscuridades del pantanoso Bayou bajo ese prisma lisérgico y misterioso que ha acompañado a All Them Witches desde sus primeras composiciones.

Sin embargo, lo nuevo que podemos encontrar en este disco se encuentra en los juegos corales que acompañan el lamento de Charles Michael Parks Jr., que lejos de lo que la prestigiada página The Obelisk ha calificado de "psychedelic gospel", Earthquaker los podría considerar como "abismales". Caitlin Rose, Erin Rae y Tristen conforman un fantasmal coro que llena de melancólicas tonalidades a un aletargado blues ácido hasta ahogarnos en sus mórbidas aguas.


Con la producción de Dave Cobb y el trabajo tras los controles técnicos de Eddie Spear en los estudios de Creative Workshop, All Them Witches creó una hipnótica melodía hasta sumergirnos en su densa neblina de sopor y misterio. Robby Staebler marca un lento ritmo para el tema con su batería como si de una marcha fúnebre se tratara, mientras el bajo del propio Parks establece el track a través de una figura abrumadora de tan solo dos notas a la cual se suma el suave teclado de Allan Van Cleave hasta transformarlo en un órgano abrumador. La temerosa guitarra de Ben McLeod termina por arriesgarse y explota junto al orgasmo del estribillo, logrando así que "3-5-7" y su críptica letra se convierta en uno de los mejores momentos del Sleeping through the war.

"Me estoy transformando en una creciente conciencia, en un ojo sobre una cuchara, en un avión sobre un alimentado infierno... Dime cuánto y te convenzo hasta el estómago. Estoy enfocado, estoy concentrado estoy aquí..."

A principios de 2017 fue publicado en el canal de videos de All Them Witches el trabajo visual para "3-5-7". En sus imágenes podemos observar distintos cortes y escenas de guerra, de gente común en situaciones habituales y de la banda tocando, todo a través de una vieja pantalla de televisión. A cada interferencia sobre el receptor, vemos un cambio de imagen, lo que provoca un constante relampagueo hasta la saturación y el extravío de quien se queda hasta el final del video.


A unos cuantos días del lanzamiento oficial de Sleeping through the war hemos quedados prendidos de su segundo sencillo, deseosos además de saborear el resto del material que seguramente nos sorprenderá. De lo que podemos estar seguros en este momento es que All Them Witches ha logrado crear un disco muy bien trabajado donde cada tema fue pacientemente construido hasta lograr algo redondo, concreto y de gran calidad sonora e interpretativa...


jueves, 9 de febrero de 2017

Electric Jaguar Baby : distorsión a la francesa


Dentro de la pléyade de grupos que han hecho a un lado el bajo eléctrico para recrear los tonos graves con la potencia y la distorsión de la guitarra, nos encontramos ahora con una nueva propuesta formada en París con el deseo de ser incluida entre una de las mejores a lo que en este concepto sonoro se refiere. Con apenas un EP recién publicado bajo el brazo, les compartimos a una de las bandas francesas con mayor futuro en lo que a rock desgarrador se refiere... con ustedes, Electric Jaguar Baby.

Una pareja de jóvenes franceses se juntaron en 2015 para crear una banda que pudiera incluir en su sonido el rock desértico californiano de Josh Homme, los riff deformados de Jack White, los estribillos de The Black Keys y aquel sabor obscuro de los eternos maestros de Black Sabbath. Con tan solo el poder de una guitarra eléctrica y una bateria, Frank y Antoine construyen una saturada avalancha de sonido y rock directo que bebe directamente de otras bandas que han jugado con los instrumentos, los volúmenes y los pedales de distorsión como los canadiendes Death From Above 1979 o los norteamericanos Ty Segal y Deap Valley.


Con unas cuantas rolas bajo el brazo, Electric Jaguar Baby se metió a los estudios Main D'Oeuvre en marzo de 2016 para grabar un EP homónimo de tan solo cuatro temas que desgarran las bocinas y hacen temblar la tierra sin piedad. Una vez registrado el material, el grupo envió las cintas a Benjamin Farque  quien en junio del mismo año se dio a la tarea de masterizar los temas para que finalmente fuera presentado en noviembre con tan solo una tirada de 25 CD's y 10 cassettes con el apoyo de El Diablito Records, Smilodon Music y Creep Purple Promotion.

A pesar del pequeño número de piezas en la edición física del disco, los franceses subieron el material en su página de Bandcamp para que cualquiera puede escuchar sus temas y descargarlos tras proponer un monto libre. Doce minutos y medio de canciones directas y sin mediación que atascan los tímpanos con una estridente mezcla entre acid blues, garage fuzz y stoner que muerde y no suelta mientras una mujer desnuda sostiene un cráneo en sus mano sobre un fondo psicodélico que juega con nuestra mirada gracias a su efecto hologramático.


Uno fácilmente podría esperar que este par de músicos apenas estarían saliendo del garage para meterse a los estudios y registrar ahí sus primeras composiciones, sin embargo, los miembros de Electric Jaguar Baby tienen una trayectoria de diez años entre las salas de grabación y los escenarios luego de haber formado parte de grupos reconocidos en la escena francesa como No Cure y 7 Days Before.

Aun así, Electric Jaguar Baby es un proyecto sonoro totalmente distinto ya que busca en su distorsión y destreza interpretativa inyectarnos de melodías adictivas que nos hagan cantar junto con la banda. Para ejemplificar lo alcanzado en este material, pulsamos sobre el botón de play para escuchar "The sabbath", que tras unos cuantos golpes en la batería, un riff sin freno nos hipnotiza con su fuerza y su intensión mientras le abre paso a una armonía imposible de abandonar. Más allá del muro infranqueable que construye la guitarra de Antoine y su arsenal de artilugios electrónicos, la banda se permite frenar algunos momentos para crear espectaculares segundos de silencio que permiten dimensionar las capas de sonido que conforman al track.

Mientras la voz grave en primer plano de Frank es escoltada por la de Antoine con un tono muy alto, "The sabbath" entra en nuestras neuronas de manera dócil a pesar de sus distorsionados acordes y certeros golpes, lo que nos hace entender porque han tenido ya la oportunidad de alternar con el pop alternativo de Yeti Lane, la psicodelia de Charles Howl y el garage atascado de Death Valley Girls. Con la intención de que podamos darnos una idea sobre cómo suena Electric Jaguar Baby en vivo, compartimos un video con esta canción interpretada totalmente en directo y grabada de manera informal.

Estos son los primeros pasos de una banda nueva, que aunque sus integrantes son viejos marineros que ya han navegado sobre las aguas de la escena alternativa de Francia, nos comparten una propuesta auditiva fresca en la que Europa comienza a experimentar luego de digerir lo hecho en América. Ya hemos escuchado lo hecho por bandas establecidas como Royal Blood desde Inglaterra y The Bonnevilles desde Irlanda del Norte, así como las opciones más recientes de The Heavy Minds de Austria y Hey Satan de Suiza; así que no deberíamos extrañarnos que propuestas como la de Electric Jaguar Baby explote las posibilidades sonoras de la distorsión para crear nuevas atmósferas donde los tonos jueguen con nuestra inteligencia y el ruido con nuestra emoción...


martes, 7 de febrero de 2017

Hey Satan : fuerte rock suizo a sangre fría

Buscando entre las portadas de las nuevas propuestas sonoras del 2017 el encuentro con un torso de una mujer desnuda sobre un fondo negro, irremediablemente la atención cae en la hipnótica ilustración. Los cálidos colores de dibujo hacen arder la mirada mientras en el vértice contrario de la tapa un ojo panóptico logra crear un equilibrio estético, mágico símbolo que con su luz ilumina el nombre de la nueva sensación hard rock que ha llegado desde el país helvético: Hey Satan.

Una vez hechizados con la portada hecha por Amélie Avril y Michaël Jousson, nos adentramos en la propuesta musical de esta banda originaria de la olímpica Lausana, pequeña ciudad suiza asentada a orillas del lago Lemán. Tras unos cuantos segundos de haber apretado el botón de play, una energética batería y un ejército de guitarras distorsionadas nos ofrecen una idea de lo que podremos escuchar durante los diez temas que conforman este álbum debut publicado a finales de enero de 2017 a través de la local disquera Cold Smoke Records.


Dejando en un rincón olvidado al bajo eléctrico, Hey Satan se formó en 2014 con la intención de unirse al exclusivo club de bandas que con tan sólo el poder de los amplificadores y los pedales de distorsión construyen poderosos muros sonoros imposibles de atravesar. Con un sonido cercano a grupos ya reconocidos como Black Rebel Motorcycle Club, Royal Blood o The Blackwater Fever, este trío suizo nos ofrece una mezcla entre rock y metal alternativo al estilo de Dozer o Audioslave y el stoner de la costa este norteamericana de gente como Clutch y Monster Magnet.

Las guitarras de François y Laurent se combinan hasta crear un sonido compacto y directo que puede matar y resucitar con un solo golpe. La batería de Frank nos sacude salvajemente a cada tiempo marcado mientras la voz de Bob Morlock (sobrenombre de François) se desgarra por los altavoces hasta deshacerse junto con el ruido general. En pocas palabras, ésta es la sencilla pero adictiva fórmula de Hey Satan: el certero impacto en los tambores, los acordes diferenciados por tonos en cada bocina y las crudas cuerdas vocales explotando sin control.


Grabado, mezclado y masterizado por Serge Morratel durante el mes de junio de 2016 en el Rec Studio de Ginebra, el álbum debut de Hey Satan es una colección de dardos directos a las neuronas que buscan sacudir el alma, cápsulas que entran al cuerpo como tormenta eléctrica, poderosa carrera que acelera la sangre en las venas y agita las células. Una vez arrastrados por el vendaval sonoro, miramos a nuestro alrededor para encontrar nuestros restos en el suelo aún vibrante.

Uno de los temas que nos llamaron la atención desde el pre-lanzamiento del disco en noviembre de 2016 en la página de Bandacamp del grupo fue "In cold blood", un misil lanzado de manera directa a su objetivo gracias al poder de su riff inicial de figura en caída libre. Percusiones vibrantes de tiempos muy lejanos y tonos graves producidos por los efectos electrónicos sobre las seis delgadas cuerdas. Un pie pisa el pedal de wah y el gemir de la guitarra se transforma en un lamento cósmico, pero lejos de quedar abandonado, el resto de los instrumentos golpean con mayor rabia hasta hacer crecer el tema como si fuera una enorme ola que busca ahogar todo a su paso.


Desde el canal de YouTube del vocalista de la banda podemos observar un collage de sangrientos extractos de películas viejas a blanco y negro mezclados con místicos rituales satánicos a technicolor mientras la banda explota las bocinas con la fuerza de "In cold blood". Sencillo montaje visual que acompaña a la perfección el poder del tema y que permite acercarnos al concepto sonoro de Hey Satan, mismo del que es fácilmente quedar prendido.


Esta ha sido la primera prueba al primer disco del trío suizo, mismo que esperamos que empiece a hacer sonar sobre los escenarios y logremos así saber cómo se escucha en vivo. A la distancia desde este lado del Atlántico, nos conformarnos con dar un click para permitir que los datos electrónicos saturen nuestros tímpanos mientras Hey Satan comienza a establecerse como una de las mejores propuestas del país helvético y se ganan al público europeo...