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lunes, 30 de enero de 2017

Bagual : la historia de una bestia sin domar


Nuevamente South American Sludge Records nos ha compartido un material lleno de poder que nos muestra de lo que se hace en Latinoamerica. La disquera argentina fundada por Sergio Ch., ex-Natas y miembro activo de Ararat y Soldati, editó el segundo disco de una banda nacida del otro lado de la cordillera de Los Andes con la intención de no sólo hacerlos escuchar en el cono sur del continente, sino que pudieran tener un eco en otras latitudes. Desde Chile, compartimos la poderosa propuesta sonora de Bagual.

La banda fue formada en el ya lejano 2012 en la ciudad de Santiago con la intención de crear un proyecto musical que bebiera directamente del stoner y del metal, teniendo como influencias directas a grupos como Kyuss, Black Sabbath y The Sword, además de los propios Natas de Argentina y bandas de su país natal con los que ha construido una especie de escena como lo son Yajaira y Demonauta. Tras mucho esfuerzo y trabajo, Bagual tuvo la oportunidad de publicar de manera independiente su primer disco en mayo de 2014 bajo el nombre de I: Viento sur, material que fue bien recibido en Chile, lo que les permitió ser incluidos en varios compilados.


Como una continuación a lo logrado con su disco debut, Bagual se metió a los estudios Lautaro de su natal Santiago en agosto de 2015 para grabar lo que hoy conocemos como II: Viento norte, material publicado en diciembre de 2015 por medio de TuneLess Records de manera local y con South American Sludge Records de manera continental. Con el trabajo en los controles y la mezcla de Pablo Giadach, la banda nos ofrece un trabajo sonoro más maduro donde el concepto de la banda termina por definirse con melodías infecciosas y las líricas que dejan reflexionando al escucha.

Para este trabajo, Francisco Yañez y Felipe Machuca en las guitarras, Alejandro Clavijo en la batería y Julian Inostroza en el bajo crean un muro macizo de sonido que se levanta inquebrantable a partir de los acordes arenosos del stoner más denso. Los siete temas del II: Viento norte forman parte de una bestia sin domar que en su carácter salvaje rompe con todo lo que se le pudiera poner al frente. Sin embargo, en ciertos momentos el potro bravío abandona su loca carrera desbocada para regalarnos instantes místicos donde el mundo onírico ahoga la realidad y permite que los pies despeguen de la tierra.


Quizá el tema que mejor ejemplifica estas características de nuestro animal indómito sea "Maeses", primer sencillo del II: Viento norte donde la melodía nos golpea sin piedad desde su primer segundo, riff seco y sin compasión que nos arranca la atención y nos hace abandonarlo todo para seguir el embeleso de la potencia y la distorsión. Tema cortante que cimbra la tierra bajo nuestros pies hasta que alcanza su clímax en un mágico y suave puente que nos hace flotar en su misticismo. De la nada, despertamos del dulce sueño para caer vertiginosamente en espiral y sin freno en una cruel realidad, en un abismo lleno de fuerza y desazón.

Como si se tratase de una continuación de la lírica narrada en "Los ojos de Dios", aquel sencillo del primer disco de Bagual, "Maeses" comienza con la frase y entonces pude ver... Sin embargo, y lejos de ser un himno a la redención espiritual, la banda nos muestra su lado más humano al criticar la fe humana, aquella que oculta la razón y termina por clavar la espada sobre su hermano. Las enseñanzas del maestro son incomprendidas y todo es reducido a cenizas. El tiempo se ha escapado como agua entre las manos, pero quizá exista una última oportunidad...

Bagual lanzó en diciembre de 2016 el video promocional para "Maeses", trabajo visual realizado por José Aguirre Maldavsky que nos muestra la vida de la banda entre ensayos, traslados de equipo y presentaciones en pequeños antros mientras un extraño personaje de sombrero entra en su mundo hasta que todo desemboca en una batalla campal, pero que al final del día, termina formando parte de a banda. 


Tras un año de promoción para el II: Viento norte, Bagual se ha concentrado en componer lo que será su tercer disco, el cual esperamos que logre condensar todo lo alcanzado hasta el día de hoy pero sin perder ese sabor indomable que nos ha impactado: guitarras hirientes, un bajo envolvente y una batería implacable. El desértico astado de doble mirada está preparando su siguiente lance, así que lo único que podemos hacer es esperar su nueva estampida mientras dejamos inundar las células con su poder hasta estallar los tímpanos...








viernes, 27 de enero de 2017

Haunted : la muerte sobre diez pies


Al termino de 2016, muchas revistas electrónicas y diversos blogs especializados tenían en sus listas a lo mejor del año el álbum debut de una banda originaria de Catania, una ciudad ubicada en la isla italiana de Sicilia. En las reseñas que se hacían del disco se habla de un grupo que regresaba al viejo doom de lentas melodías y obscuras líricas del pasado setentero, pero que al mismo tiempo recuperaba la frescura e imaginación del resurgimiento del género durante el nuevo siglo a través de su versión más clásica. Luego de tantas menciones, era necesario internarse en los surcos de este material y descubrir por uno mismo si dichas referencias y recomendaciones eran correctas...

Bajo el nombre de Haunted encontramos a una banda conformada por 5 jóvenes amantes de los riffs pesados como lozas y los ambientes profundos como abismos, grupo que se ha tatuado sobre la piel el epitafio "la muerte sobre diez pies".  Con dicha sentencia lanzada, es fácil imaginar que es lo que se escuchará en su primer disco: un álbum titulado de manera homónima que encapsula cinco monstruosas odas de tamaño colosal que caen sobre el escucha como rocas megalíticas, obscuros himnos sumergidos en un espeso banco de niebla que oculta en su interior horrores indescriptibles, terribles marchas fúnebres que escoltan un putrefacto cuerpo que se ha cansado de andar una vida llena de pecados y pesadillas con raíces malditas.


Apenas conformados como grupo en octubre de 2015, estas cinco almas en pena lograron construir los temas que hoy escuchamos a través del material publicado por Twin Earth Records en agosto de 2016. Francesco Bauso y Francesco Orlando en las guitarras eléctricas, Frank Tudisco en el bajo, Valerio Cimino en la batería y Cristina Chimirri en las vocales son los cinco endemoniados duendes que anuncian la muerte por medio de su mórbida atmósfera y su estruendoso sonido inquebrantable.

Haunted se metió al NuevArte Studio de su natal Catania bajo las órdenes de Carlo Longo para grabar su álbum debut durante los meses de marzo y abril de 2016.  Ya con el material mezclado, la banda lo envió a Estados Unidos para que el experimentado James Plotkin lo masterizara durante junio de ese mismo año así como lo ha hecho para los discos de importantes bandas del género como Egypt, Iron Void, Slomatics, Windhand o Electric Wizard. Quizá la magia negra que imprimió Plotkin en estas dos últimas bandas sea la que más se puede respirar en el primer trabajo de los italianos, esa extraña mezcla entre el impenetrable muro de sonido que los instrumentos levantan ante nosotros y las etéreas pero fúnebres voces femeninas que erizan la piel de todo aquel que se atreve entrar a este bosque encantado.


Bajamos la aguja sobre el vinil y un trueno se deja escuchar mientras rompe la tranquilidad de la noche. Ciertas frases de alguna película olvidada de Dario Argento, Mario Bava o Lucio Fulci del viejo cine de horror italiano se escapan por las bocinas mientras preparan el terreno para que un pesado riff de guitarra construya el ambiente ideal de letargo y sopor necesario para que las voces entonen  letanías sobre hechicería, ocultismo y muerte. Distorsión y obscuridad saturan el audio para dejarnos abandonados a la mitad del abismo, música lenta que nos domina hasta la hipnosis y la perdición.

Una vez ahogados bajo el manto pesado de la música de Haunted, una melodía nos arranca del coma inducido y nos enamora como si Escila y las sirenas cantaran hasta hacernos caer en sus redes. El estruendo de las guitarras en "Slowthorn" cae sobre nosotros mientras el bajo y la batería mantienen su ritmo somnoliento como si siguieran a un cortejo fúnebre. La atmósfera se hace a cada segundo más densa hasta que su peso es imposible de cargarlo, los latidos del corazón se hacen tan lentos que peligrosamente se acercan hasta el freno total y los tobillos renuncian definitivamente a seguir arrastrando los grilletes que entorpecen su camino. Aquí está el doom en su máxima expresión, la música de la condena escuchada a través del filtro lisérgico de la psicodelia más ácida y la distorsión más desgarradora. Desollados pacientemente, no queda otro remedio más que morir tras nueve irónicos minutos de tortura  y goce pleno.

Ya en una ocasión anterior nos había llamado la atención el trabajo que realiza Gryphus Visual con los FanVid para diversos tracks de la nueva escena doom a partir de viejas películas de horror y serie b, como lo hecho con la música de Mephistofeles. Entre pequeños extractos de sectas espiritistas y sacrificios satánicos en simetría perfecta y colores psicodélicos, escuchamos "Slowthorn" de Haunted en perfecta concordancia con la portada de su disco, un diseño realizado por Sandro di Girolamo (vocalista de Elevators to the grateful sky) donde observamos a una mujer desnuda y amarrada ista para ser ofrecido al maligno sobre un circulo de inscripciones de alguna lengua olvidada y velas encendidas. Entre las sombras de la imagen podemos ver algunos paisajes tétricos y un gran cráneo superpuesto que abarca la totalidad del cuadro, elementos ideales que revisten de obscuridad la estética de la banda.


Tan sólo se dejan escuchar sus primeros acordes y nuestra mente se transporta a sombríos parajes llenos de maldad y encanto. Sin salvación, caemos rendidos ante el envolvente sonido, que como si de una densa neblina se tratara, nos encierra hasta perdernos irremediablemente. El frío recorre por la piel, el temor toma control de todo a nuestro alrededor hasta que poco a poco sentimos la presencia de los poderes ocultos y de la muerte. Si aún con esta descripción no se han animado a pulsar el botón de play, quizá el morbo de tener a una bella mujer en las vocales y la promesa de escuchar una música apabullante sean los anzuelos perfectos para saltar al abismo...


miércoles, 25 de enero de 2017

Sgt. Sunshine : quemando dulces hojas


La imagen de un hombre a un costado de unas rocas megalíticas juegan con nuestra imaginación entre juegos de colores y sombras. Un cielo cubierto de nubes domina la escena mientras dos extraños personajes al fondo se quedan perdidos a la escena principal, pero siguen formando parte de la ilustración. Estas piedras forman parte de los 52 bloques de granito que conforman un barco conocido como "Ales Stenar" en la remota Kaseberga, en Escania, Suecia. La leyenda cuenta  que ahí fue enterrado el rey Ale el fuerte, otros dicen que es un antiguo calendario astral y quizá sea más bien una ofrenda funeraria dedicada a un conjunto de marineros muertos en el océano...

Este enigmático lugar sirve de portada para Plataformas, el cuarto álbum de Sgt. Sunshine, aquella banda stoner de Malmö que ha sorprendido a todos por su potencia sonora y los viajes lisérgicos que propone su música. Así como nos muestra la fotografía, en primer lugar encontramos a Eduardo Fernández Rodríguez, vocalista y guitarrista de origen cubano que ha servido de guía espiritual para la banda, el rostro visible de un proyecto onírico que nos toma de la mano para internarnos a nuestras neuronas en fuertes viajes donde las distorsiones eléctricas sacuden cada una de sus fibras. 


Ocultos a un costado de la imagen, dos figuras humanas nos recuerdan que el concepto sonoro de Sgt. Sunshine está basado en la figura del power-trío. Para su álbum debut, Eduardo se hizo acompañar de Par Hallgren en el bajo y Christian Lundberg en la batería; pero para la publicación de Black Hole de 2007, el guitarrista estaría escoltado por el bajista Michael Mino y el baterista Robin Rubio. La alineación original de Sgt. Sunshine regresaría para presentar en 2013 su disco III, pero nuevamente las cosas cambiarían para su último material. 

Plataformas fue grabado en su totalidad por el baterista Roberto Sundin y por Eduardo Fernández Ramírez en el resto de los instrumentos. El trabajo en el estudio se escucha meticuloso, cuidado hasta la perfección más allá de lo que se oculta bajo las capas de fuzz que una banda amante de las arenas desérticas de California emplea en su sonido. Al escuchar cada uno de los once temas que conforman el disco, la palabra experimentación nos viene  a la mente si previamente se ha escuchado la discografía de Sgt. Sunshine. Sin embargo, si realmente quisiéramos encapsular el disco en una sola palabra quizá la ideal sería groovy, pues el material nos sumerge en una ola de "buena onda", una ensoñación que a pesar de las guitarras rasposas nos eleva suavemente hacia un paseo por el cosmos.


Por obvias razones, cada material de Sgt. Sunshine tiene un concepto propio más allá del estilo que Eduardo le ha impreso a la banda. El stoner crudo a la Kyuss y la escena de Palm Desert en los años noventas del álbum debut se enfrenta con la experimentación del segundo disco y la fuerza directa del tercero. Ahora en Plataformas escuchamos una mezcla entre el rock psicodélico de Jimi Hendrix a finales de los sesentas, el funk setentero con reminiscencias latinas y el desert rock actual cercano por momentos a la propuesta de John García en su disco homónimo de 2014 y sobre todo al Tao of the devil de Brant Bjork; ambos miembros de Kyuss que unieron fuerzas en el excelente Peace bajo el nombre de Vista Chino

La primera mordida a este nuevo disco de Sgt. Sunshine es "Mary Jane (Keeps you sane)", fumada melodía que arranca con un genial ritmo marcado de batería para ser seguido por un riff pegajoso difícil de no seguir con el pie. Atravesando el muro de sonido, una guitarra Gibson Les Paul deja escapar un gemido al ser frotadas sus cuerdas con un arco de violín, emulando a lo que hacia Jimmy Page en sus épocas con Led Zeppelin y la interpretación épica de "Danzed and confused". Entre los escombros de la melodía, otra guitarra se escurre misteriosamente para regalarnos un efecto fantasmal nacido por un pellizco al instrumento hasta crear un armónico falso que inmediatamente nos recuerda al orgasmo que logra Billy Gibbons al final del clásico "La Grange". Finalmente, la canción escapa de todo control en un jamming que logra hacernos bailar en un frenesí multicolor que nos lleva a estrellarnos contra el manto estelar... Aquí tienen el tema ideal para prender un porro y dejar de que la vida siga su curso sin mayores preocupaciones.

Para acompañar el lanzamiento de Plataformas hecho en noviembre de 2016, un mes después fue publicado en el canal de YouTube de Sgt. Sunshine el video de "Mary Jane (Keeps you sane)", trabajo visual realizado por Christopher Tolbert donde podemos ver a Eduardo Fernández Rodríguez y a Roberto Sundin acompañados por Michael Mino, bajista que formara parte de la banda durante la época del Black Hole y que participó como invitado en la grabación de este tema en Plataformas, además de acompañar a Sgt. Sunshine en la presentación del disco sobre los escenarios. Las imágenes del video nos muestran al grupo tocando en diversos escenarios mientras un caleidoscopio de formas y colores nos sumergen en un viaje mientras las dulces hojas se queman hasta hacernos perder el suelo suavemente


Las frías tierras de Suecia han servido de refugio a este vikingo con sangre latina, músico que logra transportarnos al inconsciente por medio de la distorsión que funde en un mismo sonido al funk, la psicodelia, el stoner y al hard rock. Las cálidas arenas del desierto rasgan los instrumentos mientras pasan por las bocinas y llegan a los tímpanos, irónica combinación que sacuden al cuerpo y lo eleva hasta la estratosfera. Si acaso no se habían dado la oportunidad de escuchar a Sgt. Sunshine, a partir de este momento dicho nombre no sólo hará referencia a la vieja canción de Roy Harper (aquel múisco folk cercano a Pink Floyd y Led Zeppelin), sino a una mágica y ácida banda que crea a su alrededor una sublime atmósfera llena de guitarras y ritmos hipnóticos...


lunes, 23 de enero de 2017

Buzzard : un ave de rapiña que devora brujas oceánicas


Unos fuertes acordes cercanos al metal se escapan por las bocinas, pero una vez captada nuestra atención, los instrumentos cambian de melodía y la velocidad es reducida casi a cero. El aletargado ritmo nos sumerge en aguas abismales, una marcha fúnebre ahogada en obscuridad y misterio que recuerda aquel viejo doom de atmósferas densas del que muchos han bebido. Un monstruo terrible nos acecha bajo el pesado manto de la música, un canto nos anuncia su irremediable muerte dentro de un enrarecido mundo de terribles sueños, un grupo que a punta de opresivos temas lúgubres hipnotiza al errante escucha que tiene la suerte de encontrar esta pequeña joya sonora...

Buscando en las subterráneas aguas que nos ofrece el rescate que ha habido en este siglo alrededor de los diversos géneros que se desarrollaron a partir del hard rock setentero, hemos tenido la fortuna de hallar a una banda que en su sonido logra mezclar el stoner, el psych, el metal y el doom para crear un infeccioso disco imposible de abandonar. A través de las disqueras Bilocation Records y Kozmik Artifactz llegó a nuestros oídos en mayo de 2015 Sonic renaissance, álbum debut de la banda norteamericana Buzzard. 


La historia de esta banda comienza en 2009, cuando Pete Campbell, guitarrista de la banda de metal The Mighty Nimbus, decide crear un proyecto alterno que lograra explotar su gusto por los sonidos graves del stoner y el proto-doom, encontrado al aliado perfecto en Gene Starr, bajista de The New Suns. Establecidos en aquella ciudad de Minnesota partida en dos por el río Mississippi, por un lado la enorme St. Cloud y por el otro Sauk Rapids, la banda se conformó como un power-trio y encontraron en Buzzard su nombre de guerra. 

No fue sino hasta finales de 2012 cuando el grupo encontró su alineación definitiva al ingresar Andy "Big" Campbell como baterista, quien también era compañero de Pete en The Mighty Nimbus. Con esta formación, Buzzard se dedicó a componer material propio y a tocar en cuanto lugar era posible, hasta que a finales de 2014 y principios de 2015 se metieron a los estudios Beast Mountain Audio en Minneapolis para grabar su primer disco con Dinis Carvalho, bajista también de The Mighty Nimbus.


Al buscar información sobre la gente que colaboró musical y técnicamente en Sonic renaissance, la página de Bandcamp de la banda registra como encargado de la mezcla del material a Kevin Starrs, trabajo realizado en Londres, Inglaterra. Bajo ese nombre no podemos encontrar a otra persona más que al líder de Uncle Acid and the deadbeats, pero si escuchamos con paciencia y mucha atención cada track del disco, podemos detectar algunos rasgos de la reconocida banda.

En el primer disco de Buzzard podemos escuchar una amplia gama de sonidos que tienen en la distorsión de las guitarras su punto de encuentro. Desde la francamente stoner y desértica "Get gone" hasta la metalera "Fists of thunder", pasando por la introspectiva "Feathers" y la lisérgica "Blood, sweat and beers", Sonic renaissance muestra todo lo que puede hacer una banda sin encasillarse en un solo estilo pero sin abandonar su esencia. Gracias a dichos sonidos, podemos saborear las distintas influencias del grupo, las cuales van desde bandas clásicas como Purple, Sabbath, Blue Cheer y Grand Funk hasta las que tienen el stoner de bandera como Clutch, The Sword, Sleep, Queens of the Stone Age y Fu Manchu, sin olvidar aquellas que fundaron el doom como St. Vitus, Witchfinder General y Pentagram, banda esta última de la que Pete Campbell formó parte como baterista en 2015 para la grabación del Curious volume y su gira promocional en Europa.


Es precisamente de ese sabor denso del primer doom que rescata Buzzard en el cual deseamos abundar un poco más, ya que "Sea witch" es un verdadero tributo a esas obscuras deidades que moldearon esa tendencia sonora en los años setentas. Bajo una obvia estructura musical basada en Back Sabbath, el tema navega en aguas obscuras hasta llevarnos a zozobrar en ellas. El "chicloso" riff de la guitarra ahogado en fuzz nos recuerda la línea melódica de "Electric funeral" de Tony Iommi y Geezer Butler, sin dejar a un lado el solo de guitarras siamesas y la explosiva parte media con su necesario duelo entre instrumentos que institucionalizaron los de Birmingham inspirados en el Cream de Clapton, Bruce y Baker. Tal y como si miráramos a la Medusa a los ojos o escucháramos a las sirenas, el suave canto nos hechiza hasta llevarnos a la perdición, pero la eléctrica figura de la canción termina cortando de un solo tajo la cabeza la pesadilla que nos acecha.

"Al caer la noche ella entra en ira, se alimenta de los que duermen hasta despertarlos de terribles sueños donde el agua es obscura y profunda. Vamos a cazarla entre los ríos y los lagos, pero ella se encuentra entre los pantanos y los arroyos. Sabemos que está allá afuera en algún lugar, se escucha el sonido de la muerte y los gritos. Ahora que termina termina el día y la noche ha llegado rápidamente, tengo en mi mano la cabeza de la bruja del mar que no estará más en esta tierra. Ahora las aguas están en calma, pero sé que ésto no durará mucho..."

Para darnos una idea de lo que es Buzzard más allá del calor y el resguardo de los estudios de grabación, compartimos una versión en vivo de "Sea witch" subida al canal de YouTube de la banda un poco antes de la publicación del disco. Gracias a sus imágenes y sonidos, podemos darnos cuenta del poder y estruendo que expulsan a través de los amplificadores, de su calidad interpretativa y lo que podemos esperar de la banda en un futuro próximo.

Desde hace algunos meses, Buzzard ha regresado a los escenarios, lo que nos hace pensar que próximamente saldrá algo nuevo de los de Minnesota. Bajo el hastag de #12DaysOfKrampus se empieza a cocinar lo que puede ser el siguiente disco de la banda, mismo que esperamos con ansiedad. Por lo pronto, regresamos a esas lodosa aguas que nos atraparon una vez y que no nos han soltado, gusanos musicales que se repiten una y otra vez en la mente hasta roer cada neurona disponible...



viernes, 20 de enero de 2017

Mephistofeles : demonios, vampiresas y doom psicodélico


Un fanvid comenzó rondar por las redes sociales hasta que llegó a nuestros ojos, mismo que fue imposible ignorar. En extraño juego de imágenes caleidoscópicas y simétricas hecho por Gryphus Visual, podemos observar la belleza de Soledad Miranda, una de las musas del director español Jess Franco. Teniendo como telón de fondo las eróticas escenas de Las vampiras, escuchamos una densa melodía que inmediatamente nos engancha por su figura de fuerza insistente y acidez sonora. Buscamos a los responsables de esa maravilla sónica e inmediatamente encontramos el nombre de la banda: Mephistofeles.

Su historia comienza durante 2013 en Paraná, ciudad ubicada en la provincia de Entre Ríos, Argentina cuando Gabriel Ravera construye un proyecto musical a partir de su gusto por el funeral doom, pero a falta de encontrar los músicos ideales para su idea, termina lanzando un demo casero llamao Master doom split donde él graba todos los instrumentos. Sin embargo, dicho material no consigue ningún reconocimiento y Ravera congela a Mephistofeles durante todo el 2014 con la intención de conformar una verdadera banda que diera una base sonora a sus ideas.


Dedicándose tan sólo a la guitarra eléctrica y las voces, Gabriel Ravera conformó a principios de 2015 la primera alineación de su banda, misma que siguió la influencia del blues psicodélico y composiciones hechas con líricas en español. Bajo el nombre de Mephistofeles, aquel demonio a las órdenes que sirve de emisario al propio Satanás, el grupo siguió trabajando con su concepto, mismo que regresó al doom original, pero ahora con un cierto toque stoner muy a la escuela de bandas como Electric Wizard y Uncle Acid & the deadbeats. Fue así como llegaron primero Iván Sacharczuk en la batería y luego Ismael Dimenza en el bajo.

Una vez definido el sonido de Mephistofeles, la banda cambió todas las líricas para pasarlas al inglés, dejando a un lado también el rebuscamiento compositivo para crear temas más directos y riffs concretos, crudos y obscuros. Para esta versión definitiva del grupo, las letras de los temas hablarían de las experiencias de sus miembros con las drogas, la violencia y la muerte, tópicos ideales que coincidían plenamente con la música densa y llena de distorsión.


A finales de 2015 y principios de 2016, el grupo se metió al Fuzzy Lab para grabar de manera directa lo que sería el álbum debut de Mephistofeles, trabajo realizado bajo la guía de con Octavio "Colo" Miretti, baterista de La Carroña Rock Basura. Bajo el nombre de Whore fueron publicados en mayo de 2016 los siete lisérgicos temas que conforman el material, mismos que habían sido mezclados por Julio Millen. Esta grabación quedaría como un trabajo subterráneo como el de la mayoría de las bandas del interior de nuestros países latinoamericanos, pero la difusión hecha del disco por medio del canal de YouTube de Stoned Meadow of Doom hizo que medio mundo se fijara en ellos. Es así como el disco es editado y promocionado a través de South American Sludge Records, disquera independiente fundada por Sergio Ch (ex-Natas, Soldati, Ararat); además de algunas re-ediciones en cassette por Pirámide Records y Golden Dawn Recordings y una próxima publicación en vinil a través de Black Farm Records.

Para completar el ambiente mórbido de la banda, el grupo se hizo acompañar de una imagen insolente y provocadora que despertara el interés visual más allá del sonoro. Bajo el nombre de Wizard of Meth, Gabriel Ravera realiza todo el artwork de Mephistofeles, mismo que consiste en collage y posters llenos de porno antiguo, fotografías de viejas películas del cine serie B o revistas olvidadas. Este trabajo ha servido para crear los carteles de promoción para los eventos del grupo, así como para vestir las ediciones de su primer disco oficial.


Aprovechando el trabajo visual hecho por Gryphus Visual, nos acercamos al Whore por medio de "Evil beauty", tema de riff directo y sin previo aviso donde la guitarra ahogada en fuzz y wah danza alrededor de un fuego ritual, aquelarre al que son invitados el grave bajo eléctrico y la primitiva batería mientras sacrifican a una hermosa virgen en honor a los poderes malignos. El ritmo es realmente infeccioso, una mordida venenosa que inyecta maldad a la sangre que es difícil de soltar, un canto hipnótico que nos deja al borde del abismo dispuestos a lanzarnos a su interior. Un leve tufo a Black Sabbath nos llega a los oídos, pero el doom psicodélico de Mephistofeles va tomando su propio rumbo hasta que inevitablemente caemos en sus redes...


"Tú eres mi única droga, yo soy tu desangrado. Sus ojos se han ido ha otro lugar. Al amanecer, te golpearé hasta que mueras... ésa es la única manera de calmar mi cólera. Me gusta pensar que mi vida termina, me fascina el sonido de la muerte. Mi cuchillo dice que la vida termina aquí como si te amara también. Tu mente está muerta, deprimida. Te voy a colgar ahí arriba y al amanecer yo moriré. Tus palabras serán maldecidas, pequeña mentirosa. Con un disparo mi vida termina. Apuesto a que amas el sonido de la muerte. Mi cuchillo dice que la vida termina aquí mientras atraviesa tu garganta en este momento..."

Para que podamos tener una leve idea de lo que puede ser la banda en vivo, compartimos una versión "casera" de "Evil beauty" compartida por Spectral Recordings, la cual contiene líricas distintas a las que quedaron de manera definitiva en la edición del disco. A pesar de que Whore fue grabado de manera directa en los estudios, este video nos demuestra de lo que es capaz Mephistofeles más allá de la edición, producción y masterización. Aquí tenemos ante nosotros un verdadero power trio en su versión más cruda posible...


Afortunadamente, Mephistofeles no se ha quedado en el meteórico éxito de Whore, pues la banda argentina entrará de nuevo a los estudios para grabar lo que será su segundo disco, mismo que incluirá temas que insistentemente han sonado en sus presentaciones como "White butterfly" y "I'm heroin". Si no han escuchado a este denso grupo, es momento de hacerlo; pero si ya los conocen, aquí está de nuevo la posibilidad de disfrutarlos otra vez mientras la vampiresa de Soledad Miranda los acompaña con su belleza y su misticismo...




miércoles, 18 de enero de 2017

Godsleep : recuperando el control de uno mismo


Ya en ocasiones anteriores habían desfilado por las líneas de Earthquaker distintas bandas de Grecia que utilizan al stoner y el rock desértico como medio para mover los tímpanos y explotarnos las neuronas. Desde la pequeña Chiliomodi tuvimos a 1000mods, desde la capital griega a Lord 13 y de la mítica Lamia a Out of the Earth. Ahora es momento de regresar los oídos al país helénico para disfrutar a otro de sus hijos pródigos: Godsleep.

Bajo la protección e imagen de Hipnos, deidad griega del sueño, cuatro jóvenes de Atenas formaron en 2010 una banda basada en el hard rock, el psych y el stoner, géneros que desde hace muchos años han tenido gran aceptación en el antiguo país; motivo por el cual ha sido sede de algunos festivales y ha recibido a varias bandas internacionales. A través de la grabación de Demo/EP de cuatro temas, el grupo comenzó a girar para darse a conocer y establecer su nombre en los distintos carteles y eventos.


Con el paso de los años, Kostas (vocales), Johnny (guitarra), Fed (bajo) y Dennis (batería) fueron estableciendo su estilo propio hasta ganarse su lugar en distintos festivales de Europa como los alemanes Aquamaria Freak Valley, el Yellowstock de Bélgica o el Fuzztastic Planet Fest de Grecia. Esto les permitió alternar con distintas bandas reconocidas como Radio Moscow, The Vintage Caravan, Kadavar, Karma to Burn, Loney Kamel, Siena Root, Mars Red Sky y Limestone Whale.

En el verano de 2014, Godsleep se metió a grabar a los Shakti Studios lo que sería su álbum debut, el cual fue publicado hasta mayo de 2015 a través de Rock Freaks Records bajo el título de Thousand sons of sleep; material que fue masterizado por Bill Lagos y mezclado por George Leodis, quien trabajó como ingeniero de sonido en el Vultures de 1000mods (reseña-view). Para acompañar el gran sonido de la banda encapsulado en los siete temas del disco, una sorprendente ilustración realizada por Tessa Najjar de un imponente Hipnos nos jala al vista para terminar de despertar el deseo por escuchar lo que guarda en su interior.


Thousand sons of sleep es un álbum que viaja desde las oníricas "The call" y "Feel like home" hasta las estruendosas "Thirteen" y "This is mine", pasando por la especialmente abismal "I want you". Las guitarras quiebran cualquier cosa que se les ponga enfrente mientras el bajo crea un muro sonoro imposible de atravesar. La batería golpea con toda la fuerza mientras una áspera voz se escucha poderosa sobre todo el ruido y la saturación creadas por la banda.

Quizá el track más sencillo de digerir, a pesar de la fuerza y la distorsión que lo distingue, es "This is mine". Un riff de guitarra se abre paso a través de una hipnótica figura, misma que se repite hasta la intensidad que logran todos los instrumentos tocando al unísono. La desgarradora voz de Costas explota por las bocinas en preguntas y cuestionamientos hasta sacudirnos el alma y reclamar todo para sí mismo. Cada célula del cuerpo tiembla con cada rasgueo de las cuerdas, poder destructivo sin miramientos ni piedad, acordes que hieren y ponen en duda cualquier cosa.

"Tú dices que todo es muy bueno, tú dices lo que no se debe de hacer. Ha llegado el momento de elegir lo que es mejor para mí y así encontrar la libertad, ha llegado el momento de cambiar todo, hasta los recuerdos. Sepulto el pasado para ver la verdad. La luz al final del túnel es bastante clara ahora. Es momento de tener algo para mí, porque el tiempo pasa y arruina todo. ¿Qué está mal? ¿Qué es lo correcto? Tú no puedes decir nada, pero ésto es mío..."


Si lo capturado en el estudio de grabación los sorprendió, recibir la potencia de Godsleep debe ser completamente una locura. Sin embargo, para no quedarnos con las dudas, compartimos un video que muestra todo el poder de la banda interpretando en vivo su "This is mine". Estas imágenes fueron captadas en una de las presentaciones realizadas para el segundo aniversario del programa 2 Smoking Barrels Radio Show de los productores Harry Zervos y Kyriakos Palilis que se trasmite en Grecia a través de M-Word Radio.

Desde la publicación de su álbum debut, Godsleep no ha dejado de presentarse en cuanto escenario se le presente. A finales de 2016 compartieron escenarios con Brutus, Wedge, Lucifer, Valley of the Sun, Greenleaf, Fatso Jetson y Dopethrone, lo que nos habla del nivel que están obteniendo estos chicos de Atenas. Sin embargo, todos los que hemos quedados prendidos con el proyecto de esta banda deseamos que pronto presenten un nuevo disco... ojalá y 2017 nos dé esa sorpresa!!


lunes, 16 de enero de 2017

Tourette Boys : criticando al poder desde los terrenos de Hipnos y Morfeo


Un buen día, inesperadamente un correo electrónico llegó a la bandeja con una solicitud. Entre las líneas se encontraba el link para escuchar una propuesta musical hecha en Alemania. Abiertos a todas las posibilidades que el maravilloso mundo de la música nos ofrece, pulsamos sobre la opción y nos encontramos con un blanco europeo de penacho sobre la cabeza y playera negra donde se puede leer Kaiser. Otro click más y una misteriosa melodía se escapa por las bocinas, atmosférico sonido que sorprende y nos hace preguntar quiénes son los culpables: Tourette Boys.

Bajo el nombre de un síndrome que refiere a un trastorno neurológico que se caracteriza por tics motores y vocales, tres jóvenes radicados en Dresden conformaron una banda desde 2012 que a partir de la magia del blues psicodélico creara lentos temas donde los densos ambientes dominaran y el alma escapara suavemente en el sopor de acordes hipnóticos. Benjamin Butter en las vocales y una guitarra, Paul-Willy Stojan en la otra guitarra y Conrad Brod en la batería iluminan la obscuridad de la noche con una tenue luz eléctrica que explota en una distorsión sonora que sacude las neuronas.


Tourette Boys tienen un sonido abismal, enigmático y etéreo. En una música que mezcla el blues electrificado más pantanoso que puede existir y la psicodelia más quimérica, el power trio nos sumerge en un denso paseo en el cual es fácil perderse. Bajo la influencia directa de bandas norteamericanas como The Flying Eyes y All Them Witches, los alemanes entran a los terrenos de los antiguos dioses Hipnos y Morfeo hasta un punto sin retorno, idea que inspira a su álbum debut, publicado de manera independiente en 2014.

Desde entonces, la banda se ha dado a la tarea de tocar por toda Alemania para dar a conocer su proyecto, además de publicar algunos materiales en compañía de otros músicos, como el Past con Tim Holehouse y Folter & strafe con Gaffa Ghandi. Durante el verano de 2015 se metieron a los estudios de grabación bajo el mando de Bernard Camelleri en Berlín para registrar lo que sería su segundo disco, el cual fue publicado hasta mayo de 2016 con el nombre de Kaiser, mismo que también ha sido editado de forma independiente. 


Con lo hecho en Point of no return, escuchar el Kaiser es avanzar un paso más allá al mundo onírico gracias a las atmósferas creadas, mismas que se vuelven tan pesadas que logran desprender los pies de la tierra de quien anima pisar en sus terrenos. A través de las seis extensas odas que conforman el disco, Tourette Boys nos muestran su gran calidad interpretativa, donde el sentimiento llega a lo más hondo del ser para sacar a flote aquello olvidado en las profundidades. 

Como primera prueba a este material, los alemanes nos ofrecen "Heirarchy", un tema de acordes impresionantes y aletargado ritmo, tal y como si se tratara del penar de un condenado a muerte que arrastra su grillete que tiene atado al tobillo. A través de la combinación de las guitarras eléctricas y la serie de efectos sonoros que las acompañan, la banda logra abarcar todo el espectro tonal que van desde los graves más profundos hasta los agudos necesario para delimitar la melodía. Cortejo fúnebre que acompaña a esta queja sobre el poder y la jerarquía que caracteriza a las sociedades en el mundo, una densa crítica a las diferencias que separan a los pueblos y enfrentan a los hermanos

"Una y otra y otra vez.. Yo no soy suyo y ni siquiera de su amigo. Soy más grande de lo que podrías ser y tú estás muy abajo como lo podrás ver. Por debajo intentas disimular, la tierra que defiendes está quemada. Te cansarás de lo que quieres ser y la gente comienza a sangrar fácilmente..."

Con un video realizado por Artourette/Foto Görner y presentado en abril de 2016 a través de su canal de YouTube, Tourette Boys promociona "Heirarchy". Dicho trabajo visual muestra diversos personajes enfermizos mientras el teclado que sirve de introducción al tema ahoga todo a su alrededor. Las guitarras comienzan su tétrico lamento y un baile de extraños personajes se presenta ante nuestros ojos. Locura y paranoia se pasean frente a la cámara mientras la sangre comienza correr sin control entre cadáveres y amplificadores, apocalíptica pesadilla que sencillamente podría confundirse con la realidad.


Este es el proyecto que nos comparte el trío alemán, que a través de sus paseos por los abismos muestra los horrores de la humanidad, pasajes obscuros que la distorsión del sonido hace temblar a su paso y sacude a fuerza de golpes certeros en la conciencia. Tourette Boys busca crecer más allá de lo que han logrado hasta este momento, pues dos discos propios y dos EP's compartidos apenas es el comienzo. Ya han tenido la oportunidad de alternar con gente del nivel de Siena Root, Naam y Black Lung, pero ellos saben que este es tan sólo el arranque. Si ustedes buscan un espeso viaje de guitarras impenetrables y batería colosal, no duden en escuchar Kaiser hasta quebrar su consistencia sólida y saborear lo que hay en su interior...


viernes, 13 de enero de 2017

Fuzz Evil : rock desértico que quema al Sol


El árido desierto de Arizona se muestra ante nosotros con toda su majestuosidad, imponente territorio lleno de magia y misterio. Entre los secos matorrales podemos distinguir a una extraña criatura que infecta el deseo hasta mostrar sus malvadas intenciones. Las ásperas arenas se filtran por las bocinas hasta llegar a nuestros tímidos tímpanos develando así al demonio que intenta atraparnos con el poder de la distorsión que sacude a la propia tierra... aquí está para todos ustedes, Fuzz Evil.

En 2014 se formó un escandaloso trío en Sierra Vista, pequeño lugar cercano a la frontera que divide a México y Estados Unidos. Nuestro radar detectó al grupo gracias a la publicación de su homónimo disco debut lanzado en septiembre de 2016 por medio de la pequeña disquera Battleground Records. Al indagar un poco sobre ellos descubrimos un sencillo presentado en octubre de 2014 en compañia del dúo Chiefs y un single que salió a la luz en julio de 2015, así que ésto era un indicio de una banda con la ansiedad de compartir su proyecto.


Fuzz Evil nació de la inquietud de los hermanos Rudell de crear una banda basada en el poderoso efecto fuzz, aquella saturación sonora que hace vibrar lo emitido por los amplificadores hasta lograr una distorsión rasposa y áspera como si cada acorde se desgarrara en nuestros oídos. Wayne en la guitarra y Joseph en el bajo se unieron con el baterista Marlin Tuttle para construir un power trío que lograra explotar las bocinas por medio de su gusto por el stoner y el desert rock.

El disco debut de estos chicos de Arizona nos muestra una colección de seis crudos temas que van desde el más sincero tributo a bandas como Queens of the Stone Age, Truckfighters y Fuzz hasta los viajes lisérgicos bajo la escuela de Black Mountain donde los jammings nos dejan abandonados en el desierto a la mitad de una estrellada noche, sin contar la participación especial de Arthur Shay de la legenda desértica Unida. Si somos seguidores del género, con seguridad quedaremos prendidos de los cuarenta minutos que nos ofrece Fuzz Evil, pero si acaso somos de aquellos enamorados exigentes y ocasionales de las melodías pegajosas y los quebradizos ritmos, la banda nos ofrece varias canciones bajo dicha estética.


Precisamente es en este tenor que escogemos a "Killing the sun" como muestra de este álbum, venenoso tema que muerde como un monstruo de Gila para intoxicarnos y matarnos con su arenoso sonido. Un riff hipnótico nos golpea sin previo aviso para dejarnos desnudos ante la distorsión de los instrumentos bajo el calor asfixiante del desierto, galope eléctrico que no frena hasta levantar el vuelo y chocar contra el cosmos. Tal y como si fuéramos serpientes reptantes, la vibración instrumental recorre nuestro cuerpo para hacernos descubrir la potencia sonora que Fuzz Evil guarda en su interior, ruido intencionado que rompe con el silencio y satura al aburrido espectro que la música comercial ofrece, golpe directo al vacío a punta de guitarrazos pedregosos e hirientes.

La banda decidió lanzar a un mes de la publicación de este álbum un lyric-video de "Killing the sun" a través de su canal de YouTube, trabajo visual que fue editado por el propio bajista Joseph Rudell de la animación From destination Earth realizada por Sutherland Productions en 1956. Mientras podemos seguir las letras de la canción, tenemos la oportunidad de disfrutar de unos pequeños marcianos paseando por el sistema solar hasta llegar a nuestro planeta.

"Soportando el calor, estamos esquivando al Sol. Estamos quemando la escena y huyendo de ella. Cortamos la arena del desierto con los dientes y nuestro puño va mano a mano. Los ojos rojos desde lo borroso, estamos tomando nuestro tiempo para regresar a la sal de nuestro principio. No tenemos tiempo para llorar nuestra muerte, somos buitres volando sobre tu cabeza. Esto no significa comenzar una guerra, hemos visto nuestro día en el Sol y estamos listos. Estamos matando al Sol, lo pondremos en llamas hasta su caída..."


Sin embargo, las cosas han cambiado para Fuzz Evil. A pesar de estar girando por toda la costa oeste norteamericana a bordo de una camioneta alternando con bandas como Mountain Tamer, Slow Season, Mondo Drag, Lo-Pan, The Atomic Bitchwax, Ape Machine, Fu Manchu y Electric Citizen, los hermanos Rudell han cambiado de baterista, siendo en estos momentos Orgo Matínez quien se hace a cargo de los tambores del grupo. Sin lugar a dudas, la endemoniada distorsión tendrá que reconstruirse, pero su primer disco nos da muestras de los caminos que puede tomar una banda joven como ésta, misma que jamás abandonará la bandera del rock desértico y que, quizá, sólo se alimente de otros géneros y propuestas sonoras para complementar el espectacular combo que han logrado construir hasta el día de hoy.


miércoles, 11 de enero de 2017

Svartanatt : entre demonios, tigres y vintage sueco


Un tigre cornuto camina a través del manto obscuro de la noche mientras nos muestra sus fauces para intimidarnos y hacernos retroceder un paso hacia atrás. Al igual que el extraño ser, el demonio que todos tenemos en nuestro interior ruge para demostrar su poderío y tender nuevamente su trampa de tentación y pecado que irremediablemente nos llevará a la destrucción. Aquí está nuevamente la afrenta, un reto contra la débil alma que pelea todos los días contra sí misma...

Branca Studio nos regala de nuevo una hipnótica portada con la que nuestra atención es enganchada sin remedio, tentando así al deseo por saber que tesoro musical guarda en sus adentros. Así como lo hizo con las tapas para los discos de Honeymoon Disease, Dead Lord, Hypnos, Psychedelic Witchcraft, Duel, Beastmaker o Mountain Witch, ahora nos ofrece esta bella ilustración para la nueva sensación escandinava: Svartanatt. Bajo el sigilo que sólo un felino puede tener, esta banda llegó a los oídos del mundo para sacudir neuronas, arrasar con las recomendaciones de las distintas revistas especializadas y ser nominados al Gaffa-Priset como la mejor banda de rock sueco del 2016.


A través de The Sign Records, Svartanatt publicó en agosto de 2016 su disco debut, albúm que claramente bebe directamente de dos aguas distintas: por un lado el hard rock setentero de Uriah Heep, Hawkwind, Thin Lizzy y UFO que construyó las bases para el llamado New Wave of British Heavy Metal; y por el otro la herencia directa del mítico "Nicke" Andersson (con sus The Hellacopters y Imperial State Electric) y el hard rock vintage sueco, encontrando un punto intermedio desde las guitarras de Graveyard y Horisont hasta los teclados de Siena Root y los primeros discos de Greenleaf.

Esta banda originaria de Estocolmo se convirtió en la revelación del último año dentro de la fascinante escena retro de Suecia, pero a pesar de sus obvias referencias sonoras, logran construir un concepto propio donde los teclados atmosféricos y los riff de guitarra se entre mezclan para enamorar a cualquier buscador de rock vintage en el mundo. Sin embargo, no todo es una sorpresa, ya que las vocales y la guitarra corren por cuenta de Jani Lehtinen, quien formara parte de la distorsionada banda The Scrags.


Acompañando al viejo tigre sueco, cuatro felinos más se suman a los sonidos de la noche negra: Felix Gasste en la guitarra eléctrica, Mattias Holmström en el bajo, Daniel Heaster en la batería y Martin Borgh en el órgano. Una vez conformados como quinteto, Svartanatt se metió a los estudios de Slow Beat junto con Jonas Strömberg en la primavera de 2015 para grabar algunos temas, mismos que fueron mezclados por Konie Ehrencrona en el Studio of Cobra. De dichas sesiones, tan sólo tres temas quedaron plasmados en el disco debut: "Demon", "Dead mans alley" y "Secret of the Earth".

Los restantes seis temas del álbum fueron grabados posteriormente en SAE Institute Stockholm por Emil Drougge, sin contar con las voces y los teclados que fueron registrados en el Studio Marlux por el baterista de la banda. Finalmente, el disco fue mezclado por David Zackrisson en el Studio Famous, logrando unir el disco así como lo escuchamos en este momento, pero retrasando su lanzamiento. Sin embargo, "Demon" había sido lanzado como single a las redes electrónicas desde noviembre de 2015, creando una fuerte expectativa sobre la banda.


Dicha primera probada al primer disco de Svartanatt prepara el camino para lo que los suecos tienen como concepto musical, aunque quizá nos queda a deber la fuerza de los teclados que terminan siendo fundamentales para la banda. "Demon" es un tema de twin-guitars que nos inyectan una dosis letal con sus suaves figuras con la intención de voltear la mirada hacia uno mismo y revisar nuestros actos. La intensidad se eleva poco a poco hasta que nos vemos obligados a llevar el ritmo con los pies y agitar la cabeza. La batería juega con los tonos graves de sus tambores ante el fuego de un aquelarre interno, danza maligna que termina por explotar a través de un fundamental solo de guitarra.

En palabras de la propia banda, "Demon es un tema sobre un hombre, que tras haber encontrado el camino correcto, es libre de las tentaciones". La lírica de la canción habla sobre el intento por alejarse de la eterna lucha de la vida, bien y mal en un enfrentamiento constante que ahogan al ser humano en un mar de dudas y tentaciones. El libre albedrío del hombre termina siendo su propia condena, decisiones que poco a poco construyen su destino final.

Con un trabajo visual hecho por Vincent "Pussel" Widegren, Svartanatt presentó el video de "Demon" con la intención de hacer ruido alrededor de su nombre. El tema es adictivo sin lugar a dudas, pero el poder de la imagen termina por enganchar nuestra ansia por aquel vintage sueco que tanto nos gusta. Siluetas tras diversos fondos multicolores nos hipnotizan mientras la banda toca bajo su estética retro a blanco y negro. Barbas, bigotes y largas cabelleras se agitan al ritmo de la canción, una agitada persecución tras esos demonios internos que buscan hacer caer en los malos actos y perversos pensamientos.


Luego de escuchar el Svartanatt de principio a fin, los suecos logra resumir lo que ha sido el rock escandinavo en lo que va del nuevo siglo, un poco de recuerdo nostálgico de los sonidos pasados y otro poco de imaginación hacia los nuevos horizontes del futuro, lugares donde se coloca al hombre enfrentándose contra sus deseos, sus pensamientos y sus acciones. Indudablente, Svartanatt se coloca dentro de las grandes ligas de Suecia y su rock vintage, aquel que ha seducido al mundo y que sigue produciendo pequeñas joyas. Bajemos nuevamente la aguja sobre el vinil y desmenucemos poco a poco todos los secretos que esta maravilla guarda en sus surcos...


lunes, 9 de enero de 2017

The Heavy Minds : bajo las aguas del hard blues psicodélico


La batería marca un ritmo y con él rompe el silencio que lo precedía. A lo lejos se escucha un conteo y el golpe de las guitarras inundan el horizonte sonoro con sus acordes ahogados en fuzz, riffs al unísono que en su cuerpo escoden la gravedad del bajo y la amplitud de los teclados. La pesadez de un duro blues electrificado cae sobre nosotros, uno que nos recuerda aquellos sonidos de finales de los años sesenta gracias a su mezcla con lo lisérgico de la psicodelia clásica y que desde hace algunos años ha resurgido para inundar el panorama auditivo del mundo. 

Encerrados durante varias semanas en algún sótano de Linz, Austria, un joven trío llamado The Heavy Minds se dio a la tarea de componer y grabar su álbum debut titulado Treasure coast con el que lograron sumarse ácido tsunami del hard psych y el rock vintage, por medio de siete alucinógenos temas que hacen cimbrar la tierra desde sus cimientos un nuevo power trío nos toma de la mano para llevarnos a un fuerte viaje sin retorno hasta las estrellas.


Europa central no pudo aguantar la tentación de crear música a partir de los sonidos retro del viejo rock del siglo pasado, y The Heavy Minds son un ejemplo de ello. Su primer disco publicado en julio de 2015 a través de StoneFree Records contiene todo lo que está sonando en el planeta desde hace algunos años, desde el hard blues sesentero de gente como The Yardbirds, Hendrix, Cream y Led Zeppelin hasta la distorsión psicodélica de garage que hacen las bandas norteamericanas como Radio Moscow y The Black Angels, pasando por los experimentos binaurales de The White Stripes, The Black Keys que han emulado los grupos brasileños The Red Boots, Muddy Brothers y Muñoz, así como de otras partes del mundo como The Bonnevilles de Irlanda del Norte.

The Heavy Minds se formó en 2013 por Chris Hofer en la batería, Tobias Hochwagen y Lukas Götzenberger en las guitarras eléctricas, siendo precisamente en la combinación de éstas la que crea el ambiente sonoro particular de la banda. La combinación de pedales y amplificadores recrean un ejército de sonidos que abarcan los graves del ritmo hasta los agudos de la melodía, acordes cósmicos que forman a su alrededor una atmósfera mágica de fuerte intensidad y luces multicolor.


El track inicial del Treasure coast fue utilizado por la banda como su primer single, perfecta carta de presentación que nos muestra la propuesta sonora de The Heavy Minds a través de los juegos en la tarola de Chris y la fuerza de la melodía que interpretan las guitarras eléctricas a una sola voz. Mientras los acordes graves del zurdo Tobias sostienen al tema, un mágico solo escapa de las manos de Lukas para acompañar sus ásperas cuerdas vocales. No hay bajo y no hay teclado, pero su fantasmagórica presencia se hace sentir para crear un muro sonoro infranqueable que muestra su poder en cada pausa de la lírica.

Así como el aura que desciende desde lo más alto según la portada del disco hecha por Thomas Gasperlmair de Aplacefortom, la luminosidad de "Rivers" aclara el camino que recorrerá la banda a través de la placa. La destreza de la batería muestra la implacable fuerza y ritmo del mismo, la combinación sonora de las guitarras que se levantan triunfantes ante el silencio nos preparan para el resto del material. Dulce psicodelia que utiliza al viejo blues eléctrico para explotar las neuronas en un frenesí de colores e imágenes que se conjuntan con la música y las metáforas de la lírica.

"Ella vino del río de los dioses, mi nena se ahoga en el río de los perros. El arte de la muerte es perverso, los forajidos huyen tristes. El cielo refleja la ira y todo el odio también..."

Junto con el lanzamiento del disco, The Heavy Minds publicó el video de "River", un trabajo visual realizado por Christian Fischer que muestra a la banda haciendo lo que mejor saber hacer: hacer ruido con sus instrumentos. Resguardados en el calor familiar de un desván bajo un techo de madera, el grupo enciende sus amplificadores para golpearnos con su aplanadora sónica que han creado con arduo trabajo, mismo que los ha llevado a tocar con gente como Blues Pills, Dead Meadow, Asteriod, Earthless y Limestone Whale, además de participar en el festival local de stoner Lake on Fire 2014 junto a los reconocidos Colour Haze, The Vintage Caravan, My Sleeping Karma, Stoned Jesus y Red Fang.


El escenario vintage ha sido robado por las bandas norteamericanas y suecas, aunque otros países de Europa, América y hasta Asia buscan un espacio propio a través de propuestas frescas, gran poder interpretativo e intrincadas letras que despierten el interés del público ante la creciente oferta. Sin lugar a dudas, The Heavy Minds es uno de esos grupos a los que debemos poner atención gracias a su calidad sonora, a su ingenio lírico y a sus temas infecciosos. Por lo pronto, hace algunos meses lanzaron como single el tema "Footpath to fortress", mismo que tan sólo hace despertar más el ansia de tener en los tímpanos el próximo disco de los austriacos... ojalá y sea pronto!!!