Páginas vistas en total

miércoles, 31 de agosto de 2016

Truckfighters o cómo escuchar a una aplanadora en vivo


Para saber realmente lo que tiene una banda es necesario escucharla en vivo, alejada del calor de estudio y de las capas de efectos, mezcla y producción. En directo podemos saber si un grupo tiene la capacidad musical e interpretativa que fue presumida en el disco, sobre el escenario podemos observar las habilidades y la destreza de los intérpretes. Bajo un mismo techo, artista y público se retro-alimentan  y se convierten en uno mismo, logrando así que la intensidad y la sensación única de estar vivos formen un papel importante dentro de la canción...

Pues ahora son los suecos de Truckfighters quienes decidieron lanzarse al ruedo al publicar a través de Fuzzorama Records un disco con su presentación en el O2 Academy Islington del 14 de noviembre de 2014, mismo que formó parte de la gira de promoción del Universe. Aprovechando las condiciones de un lugar íntimo y de buena acústica, el grupo grabó el evento que ha sido publicado en este 2016 bajo el pretexto de los 15 años de la formación de la banda. Para todos ustedes, aquí está Live in London...


Örebro vio nacer en 2001 a Truckfighters al unirse el bajista y vocalista Oskar "Ozo" Cedermalm y el guitarrista Niklas "Dango" Källgren para crear un proyecto donde el fuzz fuera el único protagonista. Influenciados por su adicción al stoner en su versión californiana, este par de locos crearon a la mejor banda del género en Europa, aunque en palabras de propio Josh Homme, ellos son "la mejor banda que haya existido". Sin embargo, para consolidar su identificable sonido, hemos visto pasar un desfile de bateristas con el paso de los años, desde  Andreas "Paco"von Ahn hasta Daniel "El Danno" Israelsson, pasando por Andre "Poncho" Kvarnström quien ahora está con Blues Pills. Para la gira de Universe, el encargado de los tambores fue Axel "Enzo" Larsson, por lo que es él quien firma la grabación del Live in London.


El track que cierra esta celebración enlatada es precisamente el primer éxito de la banda, un tema presentado en su primer EP y que se convertiría con el paso de los años en la canción obligada en cada concierto: "Desert cruiser". Su riff inicial es una tributo al fuzz, una serie de notas que aprovechan la vibración y el eco para hacer temblar las bocinas. El bajo acompaña el ataque mientras la batería golpea sin cesar como si de una máquina se tratara.

La arena caliente del desierto vuela al paso del crucero, un bólido sin freno que transporta a un orgulloso piloto en su interior. Un Mustang '68 corre por la olvidada autopista mientras los litros de whisky mitigan la ardiente sed. El viaje se hace fuerte que todo comienza a transformarse, la velocidad es tan alta que las llantas han dejado el suelo. La hermosa chica que está en el asiento de atrás tan sólo se recuesta para disfrutar la travesía, un paseo que la llevará hasta las estrellas.


El feedback de la guitarra eléctrica llena toda la sala. El sudor sobre la piel anuncia que el concierto se está acercando al final, pero aún queda una as bajo la manga, una última carta para apostarlo todo. Un hombre con su instrumento al hombre y un short de camuflaje se muestra ante el público, así que sabemos que viene el momento cumbre, el clímax de la presentación. Los asistentes exclaman al unísono, han reconocido el riff y se preparan para saltar, este es el momento para soltarlo todo y abandonar el alma con la banda que han venido a escuchar.

"Desert cruise" se escucha en los altavoces, Dango brinca como loco por el escenario y Ozo se acerca al micrófono para recitar la épica frase inicial de la rola I'm out cruising in the desert... it feels so fucking great!. Mientras el bajo y la batería aceleran el paso, Dango se hinca para agradecer al Dios Fuzz por los favores recibidos y sacrifica su arma en honor de los presentes. La intensidad sube hasta el cielo, los instrumentos en el suelo y todos los presentes sabemos que hemos formado parte de un momento sublime...
Tras la euforia por escuchar un material tan lleno de energía, todos los amantes del stoner podemos estar satisfechos de tener esta fiesta al alcance de nuestras manos. Sin embrago, esto no es todo afortunadamente. Truckfighters nos han sorprendido con el anuncio de V, el quinto disco de estudio de la banda que verá la luz el 30 de octubre de 2016. "Calm before the strom" ya está girando en las diferentes plataformas electrónicas musicales, pieza que en su nombre podemos imaginar su atmósfera, quizá ideal tras la explosión que fue Live in London.


lunes, 29 de agosto de 2016

Necro : la obscura redención del occult rock brasileño


Maceió es un hermoso lugar brasileño enfrente a las costas del océano Atlántico, un paraíso en las aguas, una ciudad con bellas playas que enamoran a los turistas. Sin embargo, una densa nube se ha posado sobre el lugar, la obscuridad ha tendido su negro manto sobre las cálidas calles urbanas hasta bajar la temperatura idéntica a la que se siente en las criptas abandonadas. La noche toma posesión y todos los seres que huyen del ardiente sol salen bajo la protección de las tinieblas.

Una de esas criaturas nocturnas es Necro, banda vintage que encuentra en hard rock setentero su principal fuente de inspiración. Trío de  bestias indomables que utilizan algunas pizcas de aquel incipiente doom que el heavy metal dió origen, algunos instantes de pesada psicodelia en su faceta pesada y un poco de progresivo tomado de los clásicos maestros. 


Los primeros pasos de Necro se dieron en el 2009 cuando Pedro Ivo Salvador y Lillian Lessa se juntaron para tocar y componer su propio material a través de su gusto musical coincidente. Desde entonces, instrumentos y voces han sido compartidos por la pareja hasta el día de hoy, aunque desde hace muchos años han encontrado en la batería de Thiago Alef al cómplice perfecto para sus viajes musicales. 

Aunque podríamos entender que el nombre de la banda nace de color negro y su obvia referencia hacia la obscuridad y todo lo que ocurre en ella, Necro se refiere más a un reducción o diminutivo de Necronomicón, aquel mágico libro imaginado por H.P. Lovecraft que contenía viejos saberes sobre los poderes ocultos, la muerte y lo sobrenatural. Ahora el terrible texto se convertiría en un grupo que hablaría sobre la muerte, ritos profanos y encuentros místicos. Con la noche como telón de fondo, escuchamos los relatos sacados del tétrico libro hasta que caemos rendidos a sus pies.


La banda presentó en octubre de 2012 su álbum debut titulado The queen of death (descarga libre desde Bandcamp), material que muestra las negras intenciones de la banda pero que queda a deber en su producción. Sin embargo, para septiembre de 2014 Necro publicó su segunda obra, disco de título homónimo que abre las puertas del más allá para mostrarnos la obscuridad, la muerte y lo oculto. Sus seis temas nos llevan por los caminos del mal gracias a su sonido vintage que infecta al momento de entrar por las venas.

Entre criaturas salidas del pantano, aves rapaces que graznan a la mitad de la noche, pentagramas, hechiceras y cráneos, rescatamos a un gato negro que le canta a la obscuridad total. "Dark redemption" fue lanzada como single en mayo de 2014, una primera mordida al Necro con la intención de saborear lo que tendría el material. Acordes de guitarra resbalan por el mástil para marcar una melodía que sin duda un bajo Rickenbacker persigue con su grave sonido que se arrastra por el suelo. La batería mantiene el ritmo y a la vez abre paso para que la voz de Lillian nos hable sobre el poder de la noche, la sangre ofrecida en un sacrificio ritual y la muerte como solución.

"No tenemos tiempo para pelear esta noche. La sombra de la locura nos hará llorar. El ritual va a comenzar, no tardes, no hay escapatoria de la rabia mística . Estamos el templo de piedra que es tan viejo como la Tierra. La puesta del sol ha llegado, la noche se acerca y las estrellas se han alineado para nuestro propósito. Yo creo que esta noche puede salvar al mundo. Tú podrías decir que estoy loco. Yo puedo ver el pasado y el futuro, todo está dentro de esta piedra. Aquí está la verdadera revelación: estoy esperando la ascensión de los viejos elegidos. ¿Puedes ver a los emancipadores? ¿Has visto al ojo eléctrico mirando a través de las puertas del cielo? Este es el preludio de nuestra salvación, entremos a la obscura redención y adoremos la muerte: ésa es la solución..."


El tiempo ha pasado luego de que el trío brasileño se haya entregado a los poderes ocultos. Sus canciones cruzaron el universo y se alojaron en las neuronas de nuestros cerebros. El eco de sus melodías sigue chocando incesantemente sin permitir que el sonido se pierda en el silencio. Sin embargo, nuevos acordes se están dejando escuchar, nuevas odas se han compuesto para acompañar a aquellas que le cantaron a la muerte. Necro está preparando un nuevo disco y desde hace unos días podemos escuchar uno de los temas que lo conformarán. El terreno está preparado para un nuevo temblor, el paraíso se está nublando nuevamente y tan sólo queda esperar que la noche vuelva a tomar el control...


"Deuses suicidas", nuevo single de Necro desde su página de Bandcamp:
http://necronomicon.bandcamp.com/album/deuses-suicidas-single


viernes, 26 de agosto de 2016

ZED no está muerto, nena... ZED no está muerto


Al escribir Zed inmediatamente nos viene a la mente aquella escena de Pulp Fiction de Quentin Tarantino donde Fabianne le pregunta a Butch (interpretado por Bruce Willis) sobre el origen de la motocicleta tipo chooper en la que buscan abandonar de la ciudad de Los Ángeles tras el perdón de Marsellus Wallace. En aquella cinta la sentencia era clara: "Zed is dead, baby... Zed is dead", pero con el lanzamiento que se hace hoy 26 de agosto de 2016 del tercer disco de la banda americana, ZED está más vivo que nunca.

Tras la publicación de Desperation blues en 2013, poco sabíamos de ZED, banda originaria de San José, California que gusta de mezclar el hard rock, el grunge y el stoner para crear demoledoras melodías que logran engancharse en nuestra memoria. Quizá era el turno de este cuarteto de su desaparición del mundo musical, pero ahora tenemos la oportunidad de escuchar los primeros guitarrazos del Trobled in eden, disco producido por Tim Narducci y que será editado por Ripple Music.


Nuevamente tenemos la oportunidad de escuchar los pesados riffs de la guitarra de Greg López, el grave acompañamiento del bajo eléctrico de Mark Aceves, los golpes de la batería de Rich Harris y los gritos de Pete Sattari. Este álbum nos asegura fuertes melodías influenciadas por el rock clásicode los años setentas, el hardcore y el metal de la vieja escuela.

Trobled in eden es la oportunidad de ZED para la reflexión, para el cuestionamiento y, finalmente, para la perseverancia. Ante una escena musical muy reñida donde cada nicho guarda celosamente los espacios ganados, los californianos buscan romper el cascarón del área de San Francisco con un material más cuidado, con suficiente fuerza en su interpretación y un mensaje qué ofrecer.


Desde principios de años la banda se dio a la tarea de subir en su canal de YouTube algunos teasers de lo que sería su nueva placa, mostrándonos así algunos momentos del grupo en el estudio de grabación con algunos instantes del sonido que ahora tienen.  Fue así que en el mes de julio presentaron un lyric video de "Save you from yourself", siendo así el primer single que se desprendería del ansiado disco.

El desierto americano, las carreteras y las motocicletas sirven de telón de fondo para una tonada de directo y crudo riff, mismo que se enmudece para abrir paso a la rasposa voz de Sattari con su reclamo sobre el vacío existencial. Mientras observamos cráneos de reces olvidadas en la caliente arena, el volumen incrementa a través de un ritmo insistente hasta dejar al desnudo un solo de guitarra en pedal wah. Vuelta y vuelta sobre el track nos hace disfrutar más y más el tema, su intensidad y su lírica, pero algunas escenas de ZED sobre el escenario en el video terminan despertando nuestra ansiedad por escuchar esta pequeña joya en vivo.

 "Te encuentras en un espacio vacío entre la soledad y el dolor mientras una y otra vez se extiende  sobre tu cerebro. Encontrar la forma de alcanzar y tocar aquello que amas viene desde el interior y no de arriba. Todo lo que has encontrado es un vasto y vacío espacio mientras te pierdes en esa mirada. Deja ese corazón ardiendo porque sabes que la verdad es irónica y extraña a la vez, siempre se transforma y jamás permanece igual. Rezas porque llegue tu dios y te salve de tí mismo mientras vagas en tu infierno, pero tan sólo es la apariencia. Dices que la verdad  es la que nos hará libres, ¿pero acaso éso ocurrió contigo y conmigo? Cuando al final tus hijos te pregunten qué tienes para mostrarles, cuando retengas sus manos con fuerza y cuando sostengas la mirada sobre sus ojos, finalmente podrás mostrarles en lo que crees..."


La sensual dama tiene al demonio por dentro, en sus manos tiene todas las armas para acabar con nosotros. Hipnotizados caemos rendidos en su hechizo sin que nuestra mirada pueda soltar la imagen. El cuarteto californiano logró con el arte de Trobled in eden un punto más a su favor, lo que nos obliga a buscar la forma de escuchar su contenido lo más pronto posible. Por lo pronto, "Save you from yourself" es un gancho directo imposible de esquivar, un tema que demuestra que ZED no está muerto y que queremos verlos en vivo ahora mismo...



miércoles, 24 de agosto de 2016

Hyne : stoner alemán detectado en el radar


En octubre de 2015 se publicó el tercer álbum completo de Hyne, banda originaria de Hamburgo Alemania. Esta placa era la continuación de su explosivo Elements de abril de 2014, mismo que los había posicionado dentro del circuito stoner europeo. Fuerza, ritmo y distorsión teutonas que ahora nos presentan el tercer sencillo de MMXV: "Monkey's paw".

A través de la disquera independiente Fat & Holy Records, Hyne presenta este material que fue grabado en Dinamarca durante febrero de 2015 por Christian Ross, guitarrista de la banda. El primer corte promocional de este MMXV fue la cruda "Keep it low", el cual fue seguido por la tranquilidad cósmica "Into the sun", tema con el cual cierra el disco. Ahora en agosto de 2016 se ha lanzado como siguiente single "Monkey's paw", track que pisa el acelerador y hace correr un viejo bólido V8 sobre alguna carretera arenosa a la mitad del desierto.


¿Y de dónde saca este árido sonido una banda alemana? Bueno, Hyne rescata el sonido stoner gringo desde sus distintas perspectivas: el dessert rock al estilo de los californianos Fu Manchu y el primer disco de Queens of the Stone Age en mezcla con las guitarras fuertes heredadas del heavy metal como lo que hacen las bandas del este norteamericano Clutch, Superchief y Monster Magnet. Esto los ha llevado a alternar con gente como Brant Bjork, Lonely Kamel, Five Horse Johnson, Isaak y Stoned Jesus.

Establecidos como quinteto, Hyne se conforma por Roos y Doerty en las guitarras Gibson, el zurdo Stefanmann en el bajo, el tatuado Björn Fröhlich en la batería y Christoph Koschelski en las vocales y las letras de las canciones. Cinco personas para crear ruido lleno de arena, distorsión a alto volumen que entra de manera adictiva a las neuronas hasta explotarlas, estruendo que logra mover el cuerpo a su escondida cadencia tras capas y capas de sonido. 


MMXV se debate entre el ritmo crudo y directo de las guitarras y el ritmo de melodías que buscan espacio propio para las líricas. Con una voz de tono medio que no raspa los tímpanos como uno espera anticipadamente cuando hablamos de stoner rock, tenemos la oportunidad de escuchar líricas de polvo estelar y granos de arena. Canciones salvajes como caballos desbocados se entremezclan por temas de riffs más lentos que recuerdan aquellos instantes en que el rock se estaba endureciendo a principios de los setentas.

Por lo pronto, "Monkey's paw" es un monstruo que lucha contra viento y marea para enfrentar lo que se lo ponga enfrente. La melodía corre sin freno mientras Koschelski la intenta perseguir con una letra que habla de una mágica y enigmática pata de chango que concede deseos. Las guitarras golpean sin piedad tras el galope marcado por la batería. El bajo aprovecha algunos escasos instantes de remanso para regalarnos figuras memorables. Los cuatro minutos y veinte segundos de "Monkey's paw" los podríamos reducir en tres palabras: fuerza, ritmo y velocidad.


En el video promocional para este track está hecho a partir de las Color rhapsodies que Columbia Pictures publicó durantes los años 30's y 40's. Para "Monkey's paw" se utilizó Swing, monkey, swing de diciembre de 1937 bajo el famoso método de tecnicolor. La combinación del ritmo original de la animación con la velocidad que imprime Hyne a su tema coinciden a la perfección, logrando así reflejar la intensidad buscada por el grupo y su melodía juguetona. Mientras los primates bailan felices en una isla olvidada en medio del océano, las palmeras los acompañan en la fiesta. Mientras un fuego ritual ilumina la noche a la mitad de la selva, los tres monos sabios nos recuerdan la vieja sentencia: no oír, no ver, no decir...


"Aquí está la mano de chango sacada de ultramar, aquella que concede tres deseos de manera gratuita. Sueños y esperanza están a tu alcance, todo se le puede preguntar: ¿tendré fama y fortuna? ¿la obra del diablo es lo que es? Sostenla con la mano derecha y pide tus deseos: el primero es por dinero, el segundo por reconocimiento, y el tercero siempre será por tu muerte. Oh, hermano, toma mi consejo: descubrir el camino difícil tiene su precio. Oh, hermano, no pidas de más porque puedes recibir lo que deseas..."


Bajo la sentencia de "cuidado con lo que pidas porque se te puede cumplir", Hyne nos deja sacudidos con su "Monkey's paw". Un caballo desbocado que en su loca carrera todo puede pasar, un cohete que vuela hasta estrellarse con el manto estelar. Este tema nos llena de energía, nos deja con las ganas de verlos en vivo, con ganas de más, con el deseo de saber qué es lo que sigue...

lunes, 22 de agosto de 2016

Devil Electric : en las puertas del infierno


"Estamos ante las puertas del infierno, en aquel cruce de caminos donde se entrega el alma al demonio, en ese obscuro bosque donde se hacen sacrificios al maligno frente a una fogata ritual. Cara a cara con Satán, el reino de las sombras nos abraza y la maldad toma posesión de nuestro cuerpo. Se escuchan los perros ladrando y en mis venas se siente el latir agitado del corazón... y ahora lo necesitamos más que nunca".

Desde Melbourne, Australia nos llega Devil Electric, banda enamorada de los viejos sonidos que dieron origen al occult rock y al doom a principio de los años setentas. A través de su debut The gods below podemos disfrutar de cuatro temas tétricos que nos toman de la mano para dejarnos en el fondo de un abismo, quizá olvidados en un bosque abandonado para presenciar un aquelarre o algún sacrificio a nombre de Luzbel. Bajamos la aguja sobre el vinil y la maldad se posa sobre nosotros...


Dentro de la avalancha de bandas que se han cobijado bajo el manto de la obscuridad y los riffs de guitarra crudos, tétricos y directos, existe un conjunto de grupos que tienen en una mujer el poder de las mágicas vocales, la sensualidad magnética y la ironía entre fuerza y debilidad que significa lo femenino dentro del mundo del rock. Ahora dentro del nicho que contiene en su interior a Electric Citizen, Ruby the Hatchet, The Oath, Cauchemar, Mount Salem y Psychedelic Witchcraft, podemos incluir a Devil Electric.

La magnética imagen de Pierina O'Brien ilumina el negro ambiente que la banda forma a su alrededor con su música. En una escena de grupos proto-doom con mujeres al frente, la vocalista de Devil Electric ahora busca hacerse de un nombre propio por compartir su apellido con el de otra musa del género: Alia O'Brien de los canadienses Blood Ceremony. Imponente presencia, belleza indiscutible y una voz peculiar serán los elementos que lograrán hacer un espacio en el corazón de los amantes del occult rock controlado por las brujas.

Junto con esta diosa, encontramos a un trío de demonios que saben incendiar todo a su alrededor a través de sus instrumentos. Christos Athanasias y sus asesinos riffs de guitarra, Tom Hulse en el lúgubre bajo eléctrico y Mark van de Beek en la exactitud del tiempo y los tambores tribales preparados para adorar lo prohibido. En sus manos, la música se convierte en un brebaje hechizado, un trago envenenado, una bebida adictiva muy difícil de abandonar.

Publicado de manera independiente en junio de 2016, The gods below es un EP que envuelve rápidamente al escucha dentro de su sombra penetrante, asegurando el deseo por una dosis mayor que calme el anhelo. Por lo pronto, la disquera alemana Kozmik Artifactz ha firmado a la banda para publicar este material a principios de 2017, despertando así la esperanza de nuevos temas próximamente.


Para acercarnos al trabajo que nos regala Devil Electric, se ha desprendido el sencillo "The dove & the serpent", hipnótica canción que arranca con la voz a capella de Pierina que nos obliga a compararla con Elin Larsson de Blues Pills, pero cuando los instrumentos dan su primer golpe sabemos que estamos ante algo totalmente diferente. Tras el rugido, un paso aletargado, rastrero y cansado se mantiene en la zozobra para permitir a la hermosa bruja contar una historia sobre el deseo ser servidor de Lucifer, un sacrificio a las tinieblas, una entrega total a la obscuridad.

Por si fuera poco lo hecho en la portada del The gods below, Wren Steiner realizó el video promocional de "The dove & the serpent". Más allá de una simple colección de imagenes de la banda, en este trabajo podemos observar el concepto que rodea a Devil Electric: la obscuridad, los rituales satánicos y el morbo del hombre por conocer los poderes ocultos.

Esta ha sido la primera mordida al primer material de los australianos, mismo que asegura un próximo retorno a través de un álbum completo. La magnética imagen y carisma de su vocalista, el poder interpretativo de la banda y las obscuras melodías situadas en ese ambiente mórbido de lo desconocido y lo prohibido logran que los oídos se deleiten con las armonías, los ojos se claven en la belleza y el alma se entregue a la maldad.


viernes, 19 de agosto de 2016

Manthrass : vida, muerte y blues


La fuerza del blues más pesado se hace escuchar en nuestros oídos, densa música que busca entrar  a las neuronas para jamás escapar de ahí. Un canto de vida, un canto de muerte, el destino del hombre reducido en una melodía aletargada que explota a través de su sentimiento, su distorsión y su magia. La máquina decide arrancar con un golpe eléctrico, un relámpago que cae del cielo para dejarnos paralizados, sorprendidos y enamorados del sonido. 

Argentina siempre ha tenido una relación muy cercana con el blues, un nexo con la vibra y el profundo sentimiento que ha llevado a sus hijos a tocar a su manera aquella maravillosa música en su versión cruda, negra y endurecida. La vieja escuela de Luis Alberto Spinetta con su Pescado Rabioso y de Norberto Napolitano con su Pappo's Blues y Aeroblues tan sólo son una pequeña muestra de la fuerte raíz bluesera de los argentinos, pero el día de hoy nuevamente resurgen esas poderosas notas con bandas que nos obligan a regalarles nuestros sentidos para disfrutarlos con toda el alma. Uno de esos grupos es Manthrass y ésta es parte de su historia...


La banda nació de la relación de dos grandes amigos y su deseo de crear música a la sombra de las calles de Buenos Aires. Mariano Castiglioni en la guitarra y Angel Rizzo en el bajo comenzaron en 2009 con un proyecto que terminó estableciéndose cuando se integró Martín Gramegna en la batería. Tras dos años de presentaciones y de trabajo en el garage, presentaron su Manthrass EP en agosto de 2013 de la mano de Buscando Records. Sin embargo, al poco tiempo vendrían cambios en el grupo.

Una vez publicado el material debut, Manthrass perdió a su baterista, espacio que fue cubierto por Federico Martínez, un chico que formó parte de Espeso y quien además había sido alumno del mismísimo Black Amaya, baterista de Pappo's Blues y del Pescado Rabioso. Gracias a su formación, la banda se estableció para conformar un power trío que tiene en el hard blues su base de inspiración, un medio de expresión y una forma de vida, un trío de tres unidades.


Con el reconocimiento del círculo musical y del público a los bares y clubes rockeros, Manthrass se metió en Noviembre de 2014 para grabar varios temas en El Abismo Estudio de la mano de Damián Colaprette, reconocido ingeniero de sonido que ha trabajado con gente como Sr. Flavio, Bahiano, Narcoiris y Viaje a Ixtlán. La idea fue sencilla: captar en el estudio lo que la banda es en vivo, demostrar de la manera más cruda lo que un verdadero power trío como los de antes puede hacer en directo, tocando todos juntos al mismo tiempo en un mismo espacio.

El resultado de estas sesiones es Blues del destino, disco con seis poderosos temas publicado en septiembre de 2015 por South American Sludge, la editora creada por Sergio Ch., quien fuera guitarrista de Los Natas y ahora de Ararat y Soldati. Este material un golpe directo a nuestro deseo por el blues pesado, atascado y distorsionado, un feliz encuentro con un grupo que rescata el sentimiento y lo hace explotar por medio de melodías que por un momento hacen temblar la tierra y unos segundos después nos hacen chocar directamente con el manto estelar.


Manthrass se ha bautizado como un "trío valvular", una banda de gran audio y fuerza con pocos efectos, directa y sin frenos, una maquina sonora que logra recuperar la vieja esencia del blues pesado. Técnica y magia compartida por tres almas que ha colocado en un mismo camino el destino, un milagro musical que nos regala su obra para sumergirnos en su sentimiento y poder, en su electricidad y estruendo.

Como una muestra de este estallido de blues electrificado, escuchamos los primeros segundos del Blues del destino y caemos directamente en su hechizo gracias al su tema inicial, mismo que nombra al material. La guitarra inicial nos deslumbra como un relámpago caído del cielo, un riff que se deshace en su fragor. El tema toma rumbo y nos lleva a un océano de denso oleaje, un vaivén que nos hipnotiza y nos ahoga en sus obscuras aguas. La guitarra de Mariano explota como solamente los verdaderos bluesmans  saben hacerlo. Los golpes de Fede en la batería mantienen el denso tiempo mientras el bajo de Ángel repta sobre el arenoso terreno y entona la melodía que guía al tema, luz que ilumina también su propio canto.

La gente de Acuyico Colectivo Audiovisual se metió a Abismo Estudios para registrar en video las grabaciones de Manthrass en 2014, material que sirve para darnos una idea exacta del proceso que llevó a la banda a crear este tributo a los dioses del blues pesado. Los primeros dos minutos nos muestran la preparación de los instrumentos y los amplificadores en el estudio, pruebas de sonido para que el grupo se escuche  poderoso, eléctrico y sin freno. A partir de ahí, podemos disfrutar de "El blues del destino" en todo su esplendor, tres hombres explotando la química que tienen juntos al hacer lo que más aman: la música.


"Aquí va el hombre caminando hacia el mar, esperando encontrar lo deseado, lo anhelado, lo amado. Busca porque sabe que es suyo, algo propio que se le ha perdido. El dolor y la pena podrán ser eliminadas en el instante en que aquel obscuro objeto del deseo sea saciado, sin embargo, sólo el destino conoce lo que tiene preparado..."

Manthrass se encuentra girando por la Argentina presentando este Blues del destino, pero su intención es cruzar las fronteras. Su hard blues cantado en español abre las puertas para ser escuchado en toda la América Latina, y quizá esta sea su oportunidad para navegar en nuevos mares. Por lo pronto, su disco ha llegado a nuestros oídos y lo único que hemos podido hacer es disfrutarlo, subirle a todo el volumen para explotar las bocinas mientras las neuronas llegan hasta lugares insospechados gracias al recuerdo por el viejo blues crudo y la llegada de nuevas canciones que jamás podremos sacar de la mente.


miércoles, 17 de agosto de 2016

Witchcraft : un canto a los marginados de lo establecido


Cuando escribimos Witchcraft hacemos referencia a una de las bandas más importantes dentro del movimiento vintage en Suecia, en Escandinavia y la Europa completa. Desde su formación en el 2000 de los restos de la mítica Norrsken, la banda ha girado alrededor de la figura de Magnus Pelander quien ha ido madurando con el paso de los años con su concepto musical hasta llegar al día de hoy con la publicación de su último disco: Nucleus

Esta nueva producción fue presentada en enero de 2016 a través de Nuclear Blast, el cual está conformado por 10 tracks y con una duración total de una hora y trece minutos. Con una placa de enormes proporciones y piezas de hasta quince minutos, uno podría esperar un disco muy denso y difícil de escuchar, sin embargo, Nucleus es una obra de gran manufactura ya que los distintos tiempos que maneja logra que no perdamos la atención en el mismo, obligándonos a escucharlo completo y no reducirlo a una sola pista. 


Para poder entender este disco, es necesario recordar un poco de la historia de Witchcraft. Tras conformarse como banda luego de un proyecto tributo a Bobby Liebling de Pentagram y a Rory Erickson de The 13th Floor Elevators, el grupo se estableció hasta que publicó su álbum debut en 2004. Sin embargo, desde entonces la agrupación ha cambiado de integrantes manteniendo sólo como miembro original y guía espiritual a Pelander; pero no debemos olvidar a gente importante como los hermanos Henriksson, Jens (baterista) y Ola (bajista) quienes forman parte de Trouble Horse, y el guitarrista John Hoyles, quien además de haber formado parte de esta banda, hoy tiene en Spiders su proyecto principal.

En 2015, Palender reconstruyó a Witchcraft para meterse a los estudios Bombshelter  a grabar de la mano de Philip Saxin y Anton Sundel en la producción y mezclado del material. Para este disco, la banda estaría formada por Magnus en las guitarras y voces, Rage Widerberg en la batería y Tobias Anger en el bajo. Escondidos tras misteriosas máscaras, el trío comenzó a meterse en las redes sociales, páginas electrónicas y revistas especializadas con la intención de hacer ruido alrededor de su nuevo material.


En noviembre de 2015 fue presentado como antesala al quinto disco de la banda el single The outcast, sencillo que contiene una versión editada de dicha canción en comparación a la publicada en el Nucleus y la canción "Even in his youth" como lado "B". Con esta pequeña probada, Magnus Pelander nos muestra la nueva cara de su Witchcraft, pero para sorpresa de todos, el sonido de la banda regresa a sus orígenes de hard rock setentero para mezclarlo con el amplio abanico del rock progresivo, pasando desde los clásicos Jethro Tull y King Crimson hasta la actualidad de Dream Theate y Opeth.

"The outcast" regresa a los riffs de guitarras directos que Witchcraft tenía en sus principios, pero en dichas figuras nos encontramos con una flauta transversa que nos remite directamente a Ian Anderson de Jethro Tull. Aquel sabor vintage que ha distinguido a la banda sueca regresa en este track gracias a las guitarras wah, los cambios de ritmo que tributan al rock progresivo de los años setenteros, la energía en las percusiones que no dejan de golpear un segundo, y la magia de la flauta a través de los pulmones de Chistoffer Wadenstrein, músico invitado que ha trabajado en el Watershed de Opeth. Explosiva melodía de lírica que busca quebrar lo establecido, romper las fronteras del sistema y sumergirnos en los océanos de la reflexión, el análisis y la crítica.


"Todos lo sabemos, pero nadie lo demuestra. Es difícil de admitirlo, pero debemos conseguir de dónde agarrarnos. Tenemos arena en los ojos, pero tenemos la gloria a la vista por decir lo menos... Mi análisis es superficial, pero reflexiono y ese el punto, me mantiene en la tierra. Cargo mi esperanza porque alguien amarrado será otro muerto. El juego del intelecto se trata de no ahondar porque nuestra vista es borrosa, por decir lo menos. Estoy salvando la nación de la mala economía y hacerlo es como navegar en un mar sin fin..."

Ante el mundo cegado por el sistema capitalista, el individualismo exacerbado y los medios masivos de información, existe algunos marginados, algunos parias, algunos desadaptados que con el pensamiento, la reflexión y la duda rompen con las cadenas de la "vox populi" y del "deber ser" para ver más allá de lo establecido, más allá de la cortina de humo creada para generar distracción y olvido a lo que realmente rodea a la sociedad, a las naciones, al mundo.


Nucleus es una obra colosal, no sólo por la magnificencia de sus temas, sino por el tratamiento que tiene cada uno de los tracks. El quinto disco de Witchcraft bebe directamente de la fuerza bruta que esta versión de la banda tiene en escencia, aunque al mismo tiempo se puede detectar toda la reflexión y el trabajo que realizó Magnus Pelander para concebir esta obra, un disco donde podemos detectar ese gusto por la fuerza del hard rock vintage, por las caprichosas mareas progresivas, por la densidad que tuvo el doom en sus momentos de gestación y por el estruendo del stoner cuando se funde con el metal.

Witchcraft nuevamente ha dado un paso hacia adelante con una enorme producción, por lo que no nos debería caer de extraño que la banda haya escogido "The outcast" como el primer sencillo del disco, un tema corto de tres momentos claros y figuras melódicas definidas que llegan directamente al gusto del escucha. Nucleus es un laberinto sonoro que puede desconcertar a la primera oída, pero temas como "The outcast" nos sirven como madeja de hilo para entrar, enfrentar al Minotauro, y salir de nuevo a la luz. Este disco es sin duda una colección de lo mejor de Witchcraft en sus cuatro discos anteriores, una recuperación de la atmósfera obscura y los riff directosde los primeros discos en mezcla perfecta con la fuerza y las líricas barrocas de los últimos discos; una mezcla que ha regresado a la banda a los reflectores y a Magnus Pelander al reconocimiento como un genio de nuestros tiempos.


lunes, 15 de agosto de 2016

Laserdrift : Finlandia y el encuentro entre el desierto y el cosmos


Guitarras distorsionadas llenas de fuzz hacen retumbar el suelo arenoso desde sus cimientos, pero tras unos segundos, todo comienza a derretirse entre colores psicotrópicos, luces estelares y ácidas imágenes. La noche cósmica se postra sobre el árido desierto, pero tras algunos segundos con esta vista, una duda comienza a roer la mente: ¿estamos todavía en la Tierra o hemos viajado millones de años de luz a través del universo hasta otro planeta olvidado?

Estas son las imágenes que nacen en nuestro interior tras escuchar el álbum debut de Laserdrift, banda originaria de Tampere, Finlandia. Bien se podría resumir este material como el encuentro entre el stoner árido y californiano con la vieja psicodelia de pesadas tonalidades como fue concebida en la Inglaterra de finales de los años sesentas. Fuertes figuras de guitarra, teclados atmosféricos de recuerdo francamente Hammond y melodías infecciosas que logran perder en sus paisajes a cualquier aventurero deseoso de adentrarse en su densos terrenos.


Laserdrift nació por la inquietud de cuatro jóvenes con la intención de tocar rock penetrante y áspero. Lede en el bajo, Jere en la guitarra eléctrica, Jupe en la betería y Sami en la guitarra de acompañamiento y vocales se integraron desde 2011 para construir su cápsula que los llevara por un viaje musical de tendencias ácidas. En 2013 se metieron a los estudios bajo las órdenes de Anssi para grabar lo que sería su primer disco, mismo que sería publicado de manera independiente en octubre de 2015 y editado formalmente en abril de 2016 por medio de la disquera alemana Pink Tank Records.

Dichas grabaciones en 2013 desarrollaron el sonido de la banda, llevándolos a la necesidad de incluir arreglos de teclados con la intención de crear la atmósfera que ellos deseaban; siendo el propio Anssi quien hiciera todos los órganos y pianos que se escuchan en el disco. Gracias al excelente resultado que tuvo el material, Lasedrift propuso a su guía en el estudio para que se convirtiera en el quinto integrante.


Han pasado tres años desde que se confeccionaron los siete temas que conforman este disco debut, lo que podría haber destruido a cualquier banda; sin embargo, Laserdrift se encuentra aquí con la intención de demostrar que es lo que tienen entre manos y, ¿por qué no?, un nuevo as bajo la manga. Por lo pronto, ya tenemos al alcance de nuestros oídos una colección de viajes astrales que logran fusionar en una misma píldora la psicodelia, el hard blues y el krautrock de finales de los 60's y principios de los 70's con el rock desértico nacido en Palm Desert, California durante los noventas bajo los cánones establecidos por gente como Kyuss, Nébula y Fu Manchu.

Como primer probada para este material, Laserdrift nos ofrece "Woman", quizá el tema más psicodélico del disco y el más cósmico, pero al mismo tiempo el menos arenoso. Un sigiloso riff de guitarra y bajo serpentea sobre el suelo, una serpiente que repta y que de sorpresa lanza la mordida venenosa, llena de ponzoña que ahoga la sangre. Un efecto wah toma el control hasta que un salvaje ritmo nos hace mover el cuerpo a su tiempo y un solo de guitarra nos golpea sin piedad hasta que un teclado termina rompiendo con todo. Si pudiéramos encontrar una expresión para explicar, todo quedaría resumido en heavy psych!!!

Para promocionar este tema, Laserdrift lanzó el video para "Woman", una colección de escenas de la famosa película  Barbarella, filme de 1968 protagonizado por dos musas de la época del amor y paz: Jane Fonda y Anita Pallenberg. Ciencia ficción, belleza femenina y la eterna lucha entre el bien y el mal como telón de fondo para un tema que habla sobre la mujer y su poder enigmático, sensual y sobrenatural.


Laserdrift se ha ganado ya un lugar en su natal Finlandia al compartir los escenarios con gente como Jess and the Ancient Ones y Asteroid, además de participar en algunos eventos importantes como el Festival de Psicodelia Uleaborg, el cual se realiza en Oulussa. El álbum debut de la banda no sólo está logrando plasmar en físico sus esfuerzos durante los últimos años, sino que está logrando que en otras partes del mundo tengamos la oportunidad de escucharlos y gozar de la explosión estelar que nuestras neuronas tienen al aceptar este viaje ácido de teclados, guitarras y ritmos hipnotizantes.

Compartimos la página de Bandcamp de Laserdrift para que escuchen el disco completo...
https://laserdrift.bandcamp.com/releases


viernes, 12 de agosto de 2016

Saturna : Barcelona y su contagio vintage


Ya en varias ocasiones hemos hablado de Barcelona y la movida vintage que vive desde hace algunos años. Desde el hard rock de Cachemira hasta el ácido y retro pop de The Mothercrow pasando por la psicodelia de Lewis & The Strange Magics, la capital catalana nos ha sorprendido con grandes propuestas que llenan nuestro deseo por música bien hecha, con inspiración en lo antaño y líricas mágicas. Hoy regresamos la vista a España para compartirles una banda con tintes más pesados: Saturna.

La inquietud del bajista Rod Tirado por crear un proyecto donde pudiera desarrollar su gusto por el rock de vieja escuela, lo llevó a juntar a unos amigos a finales de 2010 para que lo ayudaran a grabar las ideas que tenía en mente. Poco a poco se fue formalizando el grupo hasta que en mayo de 2012 publicaron  su álbum debut The kingdom of spirit y Ignis en noviembre de 2013. Ahora tenemos en nuestros oídos desde marzo de 2016  el tercer disco de Saturna, el cual tiene un título homónimo y nueve temas.

Miembros de Saturna que grabaron el tercer disco de la banda

Para la grabación de la tercera placa de Saturna, junto con Rod Tirado entraron a los estudios Enric Verdaguer en la batería, James Vieco en las vocales y Aureli y Henry en las guitarra. Rodeados de viejos amplificadores Orange y Marshall, la banda grabó este material con la intención de recuperar aquel sonido directo y crudo que las bandas de hard rock del siglo pasado tenían, logrando que este III tenga un sabor a Sabbath, a Purple y a las primeras bandas de heavy metal y al incipiente doom setentero, aunque en algunos instantes se respire un ligero tufo a grunge a la Soundgarden y hasta stoner a la Kyuss. Un bajo Rickenbacker y guitarras Gibson Les Paul completan el equipo, lo que nos habla de lo que podemos escuchar en los surcos del vinil.

La grabación y la mezcla de este nuevo disco de la banda catalana corrió a carga de su propio baterista durante los primeros meses de 2015, pero a pesar de quedar contentos con el trabajo de masterización que hizo en Ignis el reconocido Billy Anderson (quien ha trabajado con Sleep y Om), en esta ocasión se realizó en el estudio Koba de Xanpe, baterista de Horn of the Rhino y productor de diversas bandas de la escena vasca. Para su publicación, Saturna fue editado en disco compacto por la canadiense PRC Music / 4ONE8 Records y en vinil por la alemana World in sound.

Óscar García

Ya con el material listo para ser mandado a la fábrica, los guitarristas de Saturna abandonaron la banda. Fue así que para junio de 2015 se integró Oscar García, guitarrista de los reconocidos Prisma Circus, además de obligar a James Vieco de tomar las seis cuerdas como acompañamiento a las vocales del grupo. Ahora como cuarteto, Saturna se ha establecido finalmente para comenzar un trabajo de difusión de su último disco, mismo que está comenzando ha tener un reconocimiento más allá de las fronteras españolas a través de blogs y páginas especializadas.

Como claro ejemplo de lo que es III , compartimos con ustedes "Disease", un tema de esencia rockera que desde su riff inaugural nos anuncia el golpe que recibirá nuestro cerebro. Los acordes muestran fuerza que realmente sacude el cuerpo, pero cuando entra la voz de James Vieco la piel se eriza gracias a su tono tan peculiar, mismo que podría ser una extraña mezcla entre la melodía de Ozzy Osbourne y la vieja energía que tenía Chris Cornell en los principios de Soundgarden. Los instrumentos saben de la potencia vocal y permiten que se luzcan al dejar las notas sueltas con un solo rasgueo. Hacia el final de la canción, el ritmo baja de velocidad para hacer un reclamo y soltar un solo de guitarra necesario. Hard rock que demuestra su densa influencia setentera por la música pesada y los cambios de tiempo en búsqueda de intensidad.

"Tú tienes tus razones para odiar y yo no sé qué decir. Hoy estoy cansado y voy retrasado, así que he decidido conservar mi confianza. Por supuesto tú puedes seguir huyendo del amor, del la sangre y del dolor. Tú vas a quemarte sola y no hay nada que se pueda hacer. Ayúdate a tí misma y a tu alma, despierta desnuda y sé libre. si no tomarás el control, entonces disfruta tu enfermedad... Eres lo que quieres en cualquier lugar, lejos de la gente que podrías perder. Deja tus pesadillas en el suelo. Llora a solas porque ya sabes cómo jugar con la tristeza"


Saturna se ha establecido como un cuarteto, motivo por el cual han realizado arreglos a cada uno de los temas presentados en su III, motivo por el cual nos lleva a encontrarnos con gratas sorpresas en las presentaciones de la banda en directo. Para los que no tenemos la oportunidad de verlos por estar muy lejos de las tierras españolas, Saturna ha sumado dos track en vivo a la descarga electrónica del disco en su página de Bandcamp, además de subir varios videos en distintas presentaciones a través de su canal de YouTube.


Cerramos esta publicación con el video de "Disease" grabado en "Plataforma" por Floro. En esta versión podemos observar la integración de esta alineación de Saturna, la cual le imprime una gran intensidad y fuerza en comparación al track presentado en el disco. El pedal wah, el solo de guitarra, la potencia vocal y la gravedad de plataforma sonora del par bajo-batería. Gran versión que nos demuestra la calidad de una banda con un gran futuro por delante...

miércoles, 10 de agosto de 2016

Cattarse : desde las profundidades de las obscuras aguas del Brasil


Nuevamente las turbulentas aguas del rock brasileño nos mojan hasta ahogarnos y hundirnos en sus obscuras profundidades. Poco a poco, Brasil se está convirtiendo en un semillero de bandas que han tomado el sonido stoner para encaminarlo hacia distintos horizontes, enriqueciendo así el panorama sonoro del género y maravillando a los amantes de los sonidos rasposos, densos y crudos. Al puerto de nuestros oídos ha llegado Cattarse...

En junio de 2016  se ha publicado Blackwater, el segundo material de la banda originaria de Porto Alegre que en esta ocasión está conformado en su totalidad por temas con líricas en inglés, en un obvio proceso de internacionalización aunque se encuentre también confirmando su importancia dentro del género en su natal Brasil. Es  un disco lleno de guitarras que se derriten, bajos impresionantes y golpes de batería que hacen temblar la tierra. Es una placa que confirma el sonido de Cattarse y lo catapulta al mundo como uno de los mejores exponentes de del hard rock sudamericano. 


Los hermanos Van Der Laan han reclutado a Diogo Stolfo para que se encargue de los tambores en su intención de establecer su concepto sonoro, un baterista que también forma parte con ellos de Bang Gang: Rock a Billy Big Band, su proyecto alterno . Yuri en el bajo e Igor en las guitarras y vocales crearon a Cattarse en 2008 y desde entonces han publicado "Certezas" en 2011 (descarga libre desde su página oficial) y su homónimo álbum debut en 2014, ambos cantados en portugués. Durante diciembre de 2015 se metieron a grabar lo que sería su segundo disco al estudio de AudioFarm del reconocido productor Mateus Borges.

Al escuchar los nueve tracks que conforman el Blackwater podemos encontrar distintas influencias musicales que terminan por servir de base al sonido de Cattarse. Ellos han declarado en diversas ocasiones que su música tiene su fuente en el hard rock de Black Sabbath y Led Zeppelin (que podemos detectar en "Walking in glass" y "Mr. Grimm") y del gusto por ese hard blues sucio y garage de Jack White y sus diversos proyectos como The Death Weather y The White Stripes ("Meet me in the darkness", "Turn to stone" y "Fire in the hole"), pero los efectos en las guitarras terminan delatando una cercanía sonora con Mike Kerr de Royal Blood y Omar Rodriguez-López de The Mars Volta y Antemasque. Por si fuera poco, el propio Igor Van Der Laan declaró en una entrevista que el disco podría ser escuchado por gente que tuviera un gusto amplio desde Red Fang hasta Black Rebel Motorcycle Club.


Cattarse forma parte de la oleada de bandas brasileñas que le han apostado al hard rock que van desde la psicodelia hasta el doom, teniendo al stoner como punto de referencia en común. Desde sonidos de acidez clásica hasta lo hecho por poderosos monstruos abismales, podemos destacar a gente como Muñoz, Wolftrucker, Stone House on Fire, Space Guerrilla, Ruínas de Sade, Motor City Madness, Son of the Witch, Red Boots y Quarto Ácido. Sin embargo, habría que hacer una mención especial de la cercanía que Cattarse tiene con El Negro, otra banda de Porto Alegre con la que está compartiendo escenario en estos momentos, tienen un estilo sónico coincidente, ambos manejan el concepto de las negras aguas para definir su sonido (El Negro v.s Blackwater) y la participación de Mateus Borges en los controles técnicos (el productor ha trabajado con Vera Loca, banda de rock pop donde el guitarrista y vocal de El Negro, Filipe "Mumu" Bortholuzzi, toca el bajo eléctrico).


Una muestra de lo que hace Cattarse es "Meet me in the darkness", una rola de un riff inicial construido a partir de dos acordes y una escala pentatónica de cuatro notas que rompe con todo lo que tiene al frente. Tras unos segundos, la melodía se vuelve tétrica al más fiel estilo Sabbath y sin más, se transforma en un hard blues de instrumentos que cortan los tiempos como afilados cuchillos. Esta pista es una combinación de momentos explosivos y silencios que logran crear segundos de tensión y clímax que son una delicia. En pocas palabras, esta canción es una granada que nos explota en las manos desde el instante en que quitamos el seguro y presionamos el botón de play. La complicidad del bajo al seguir las figuras de la guitarra logra crear una profundidad sonora como si estuviéramos en el fondo de un abismo, quizá debajo del agua. La batería golpea sin piedad y quiebra cualquier barrera. Poco más de cuatro minutos de furia, fuerza y electricidad.
 "No puedo explicarte la "única verdad" para que la creas. Tú no sabes porque eres tan triste ya que no lo puedes ver. Lloras cuando deberías estar sola pero no me haces llorar a mí. Si quieres saber la "única verdad", abre tus ojos y observa tus mentiras. Yo miro por ti todo el tiempo, todos los días. Ahora me conocerás en la obscuridad, he regresado por ti..."


Cattarse no es solamente una banda con un gran trabajo de estudio, es un grupo que sabe explotar sobre los escenarios, sabe reproducir en vivo lo grabado y, por si fuera poco, sabe dar un gran espectáculo de la mano del poder sonoro que tienen. No sería una sorpresa si los distintos blogs y páginas especializadas comienzan a escribir sobre ellos, este power trío brasileño tiene los elementos suficientes para sacudir las neuronas, agitar la melena y crear una colección de poderosos temas, de gran calidad musical y con las más diversas variantes para lograr que quienes los escuchan, no pierdan la atención en su propuesta...

Si quieren saber cómo suenan en directo, les dejamos una versión en vivo de "Meet me in the darkness" hecha varios meses antes de la grabación de Blackwater en una sesión para The Southern Crown Records, disquera independiente que publicó el álbum debut de la banda.